Teatro Lirico Turandot

Carlo Colombara (Bongiovanni, 2003, dir. Ràth)

2012-01-30T19:01:00.001+01:00

Titolo: Carlo Colombara
Interpreti: Carlo Colombara
Edizioni: Bongiovanni
Orchestra della Svizzera Italiana
Direttore: Gyorgy G. Ràth
Prezzo: euro 18.60

Parliamo oggi di questo disco e lo facciamo con un certo piacere, soprattutto perché di solito in vetrina c'è sempre un tenore o un soprano, e troppo spesso ci si dimentica di quanti altri artisti arricchiscono il mondo dell'Opera. Oggi parliamo quindi di Carlo Colombara, uno dei bassi di maggiore spessore a livello mondiale. Il disco omonimo è una compilation di alcuni brani scelti da opere di grande successo, però anche in questa scelta siamo lieti che non si sia andati sempre sull'ovvio. Immancabile Giuseppe Verdi, con il Don Carlos e il Nabucco, ma anche con opere meno spesso in cartellone, quali i Vespri Siciliani e l'Ernani. Ad arricchire il tutto, anche una perla dal Faust di Gounod e una cavatina di Rachmaninov, dall'Aleko, giusto per far capire che questo disco intende collocarsi a un livello alto, per deliziare sia chi si avvicina per la prima volta all'opera, sia chi è più esperto e da raccolte come questa cerca qualcosa in più. Quel qualcosa che troviamo anche nel brano "Ecco il mondo", direttamente dal Mefistofele di Boito. Pezzi scelti con cura, insomma, non banali, per regalare all'ascoltatore un prodotto di valore.
Andando nel tecnico, Colombara qui dà il meglio di sé. Voce profonda ed espressiva, sempre all'altezza della situazione. Caratteristiche che gli valgono il successo internazionale. Le edizioni Bongiovanni ci regalano anche un impianto orchestrale di grande impatto. L'Orchestra della Svizzera Italiana, guidata dall'ungherese Ràth, è sontuosa, avvolgente e dinamica. Unita al calore della voce di Colombara di restituisce nove esibizioni di altissimo livello, che arricchiscono ogni ascoltatore. Un ottimo prodotto, infine, un po' di nicchia, se vogliamo, ma da non perdere.

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Gershwin e Ravel a Roma

2012-01-20T16:41:00.002+01:00

In cartellone anche “Un americano a Parigi” e “Boléro”

Wayne Marshall, una delle bacchette internazionali più versatili ed estrose, in scena fino al 24 gennaio all’Opera di Roma con la “comic operetta” Candide di Leonard Bernstein, giovedì 26 gennaio, alle 20.30, salirà sul podio del Costanzi per dirigere l’Orchestra del Teatro dell’Opera in uno straordinario concerto che lo vedrà sul podio per un programma dedicato alla musica del XX secolo: dalle contaminazioni jazz di George Gershwin alle inquietudini musicali, negli anni della Grande Guerra, di Maurice Ravel. Nel concerto del 26 gennaio Marshall regalerà al pubblico, l’Overture da Of Thee I Sing, e An American in Paris di George Gershwin,mentre di Maurice Ravel proporrà Alborada del gracioso, Le tombeau de Couperin, e il famosissimo Boléro.

Il mondo sfavillante e patinato del teatro e del cinema è un elemento fondamentale dell’ispirazione del compositore statunitense. Lo ritroviamo nel musical Of Thee I Sing composto nel 1931 a Broadway con testi del fratello Ira, che restò in scena per 441 repliche e vinse l’anno successivo il Premio Pulitzer. Ma soprattutto nella composizione per orchestra An American in Paris che Gershwin scrisse nel 1928 al ritorno da un illuminante viaggio europeo che lo portò a contatto con la musica di Ravel, Darius Milhaud, Alban Berg: dal suo poema sinfonico, nacque il famoso film del 1951 diretto da Vincente Minnelli con Gene Kelly.

Ben altre atmosfere si respirano invece nei suoni e nelle orchestrazioni di Maurice Ravel. Le sperimentazioni di Ravel raccontano l’angoscia per la nuova realtà della guerra e la ricerca di nuovi equilibri che affondano nelle radici culturali dell’Europa. Il compositore scrisse Le tombeau de Couperin, di ritorno dal fronte nel 1917 in omaggio ai compagni caduti in guerra. Alborada del gracioso, del 1918, composizione ispirata alle melodie popolari della Galizia, e il Boléro (1928), concepito in forma di balletto per la danzatrice Ida Rubinstein sul modello delle tradizionali danze iberico-moresche,sono invece pervase dello spirito musicale spagnolo.

Wayne Marshall, direttore britannico di origini caraibiche, apprezzato pianista e organista, si è affermato negli ultimi anni come uno dei più rinomati interpreti dei compositori del Novecento e in particolare degli americani Gershwin, Ellington, Bernstein.

“Il mio interesse per la musica americana – racconta Marshall – è nato dalla mia partecipazione come pianista alla celebre produzione del Porgy and Bess di Gershwin al Festival di Glyndebourne sotto la direzione di Simon Rattle. Da allora mi sono dedicato sempre più alla musica di Gershwin, Bernstein e Ellington, dirigendo più volte West Side Story ”.

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Lo Schiaccianoci all'Opera di Roma

2011-12-17T19:55:00.001+01:00

Gaia Straccamore e Anton Bogov, saranno Clara e Schiaccianoci

La neve, le fate, la magia dei sogni e le note incantate di Pëtr Il’ič Čajkovskij. A Natale, il palcoscenico del Teatro dell’Opera si trasforma nel mondo di una delle favole più amate da grandi e piccoli: Lo schiaccianoci. Da martedì 20 dicembre, alle 20.30, per l’apertura della Stagione di danza 2011-2012, la Prima Ballerina del Corpo di Ballo dell’Opera, Gaia Straccamore e il Primo Ballerino dell’Opera di Maribor, Anton Bogov (danzeranno insieme ancora nelle repliche del 20, 21 e 28 dicembre) saranno Clara e Schiaccianoci, protagonisti del leggendario balletto del compositore russo, che accompagnerà il pubblico dell’Opera per tutto il periodo natalizio, fino al 30 dicembr! e.
La coreografia porta la firmata del russo Slawa Muchamedow, da Marius Petipa. Sul podio l’israeliano Nir Kabaretti, specialista nella direzione del balletto classico. Le scene e i costumi sono firmati da Carlo Savi. Sul palco dell’Opera di Roma si alterneranno altre coppie di interpreti: Alessia Gay e Alessio Rezza negli spettacoli del 22 e del 23 dicembre, e Rebecca Bianchi e Giuseppe Depalo che danzeranno il 24 e il 27 dicembre; nelle ultime due repliche del 29 e del 30 dicembre, tornerà Anton Bogov con accanto Alessandra Amato. Nel ruolo di Drosselmeyer si alterneranno Manuel Paruccini il 20, 21, 28, 29 e 30 dicembre e Mauro Murri il 22, 23, 24 e 27 dicembre. In scena anche il Coro di Voci Bianche della Scuola! di canto corale dell’Opera, preparato dal Maestro José Maria Sciutto.
La favola misteriosa de Lo Schiaccianoci rapisce da sempre l’attenzione del pubblico, nelle suggestioni visive e nei sogni di battaglie che in realtà nascono dalle paure dei grandi e si mescolano alle fantasie, solo apparentemente leggere, dei bambini. Protagonista la piccola Clara, la quale grazie all’aiuto dell’inventore di giocattoli Drosselmeyer, realizza per una notte i suoi sogni e diviene principessa accanto al suo giocattolo preferito, lo Schiaccianoci, tramutatosi nel coraggioso principe con cui riesce a sconfiggere il malvagio Re dei Topi e a fuggire verso una terra incantata sotto una fantastica tormenta di neve.
Lo schiaccianoci dopo la prima del 20 dicembre, sarà replicato mercoledì 21 dicembre ( ore 20.30), giovedì 22 (17), venerdì 23 (17), sabato 24 (11), martedì 27 (20.30), mercoledì 28 (20.30), giovedì 29 (18), venerdì 30 (18). Ulteriori informazioni su www.operaroma.it

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ÓPERA ACTUAL, 20° anniversario

2011-12-17T19:50:00.003+01:00

Con un giorno di ritardo pubblichiamo una nota diffusa dall'agenzia Fidelio Artist
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Durante il ricevimento, che si è svolto nel Salone degli Specchi del Gran Teatre del Liceu, è stato consegnato il Premio ÓPERA ACTUAL 2011 al tenore peruviano Juan Diego Flórez, al Festival Castell de Peralada e al tenore spagnolo José Ferrero

Barcellona, 16 dicembre

La rivista ÓPERA ACTUAL, unica pubblicazione in Spagna completamente dedicata al mondo della lirica, ha celebrato ieri sera il ventesimo anno del proprio percorso con un ricevimento nel Salone degli Specchi del Gran Teatre del Liceu e nel Circolo del Liceu. Durante la serata è stato consegnato il Premio Ópera Actual che ogni anno la pubblicazione dedica a personalità ed enti particolarmente importanti del mondo della lirica. Nell’edizione di quest’anno sono stati premiati il tenore peruviano Juan Diego Flórez, una delle grandi stelle dell’opera, come Migliore Cantante Lirico, il Festival Castell de Peralada, da 25 anni uno dei Festival più prestigiosi in Spagna, per il contributo dato alla lirica spagnola, e il tenore José Ferrero, promettente voce spagnola.

Flórez, punto di riferimento del bel canto, ha dichiarato di sentirsi onorato e felice per il premio, sottolineando che si tratta “del primo premiato non spagnolo. Da sempre mi sento molto unito al pubblico spagnolo, non solo per la lingua ma anche per il fatto che due dei miei idoli, Alfredo Kraus e Plácido Domingo siano spagnoli. Inoltre mi da molta soddisfazione cantare arie da zarzuela, in Spagna si è creato un gruppo che si chiama Florezidos che mi seguono in tutto il mondo, i teatri spagnoli si sono interessati a me fin dall’inizio, canto spesso in Spagna e ogni volta che vengo incontro molto entusiasmo. Credo sia l’unico paese in cui ho cantato in così tante città. Avere amici spagnoli e vedere che tra Spagna e America Latina esistono tante somiglianze di costumi e comportamenti mi da la sensazione di ricevere un premio in casa”.

All’atto hanno partecipato il direttore di ÓPERA ACTUAL Fernando Sans Rivière e il caporedattore Pablo Meléndez-Haddad; il direttore generale del Gran Teatre del Liceu Joan Francesc Marco e il presidente del Circolo del Liceu Ignacio García-Nieto. Una volta consegnati i premi gli invitati si sono spostati negli ambienti del Circolo del Liceu, associazione che ha appoggiato la rivista fin dall’anno della sua nascita nel 1991, per un rinfresco con più di cento personalità del mondo operistico nazionale e internazionale come la presidentessa e il direttore del Festival Castell de Peralada Carmen Mateu de Suqué e Oriol Aguilà, oltre ai cantanti Montserrat Caballé, Jaime Aragall, Juan Pons, Celso Albelo, María José Montiel, Ana Ibarra, Stefano Palatchi, Mariola Cantarero, Ismael Jordi, Simón Orfila, Silvia Tro Santafé, Borja Quiza e Pietro Spagnoli oltre a una lunga lista di rappresentati della società civile barcellonese.

P.R: Fidelio Artist
mcereijo@fidelioartist.com

Opera Roma: la nuova orchestra giovanile

2011-12-16T23:36:00.003+01:00

Nasce la nuova Orchestra Giovanile del Teatro dell’Opera di Roma: da oggi fino al 31 gennaio 2012, sono pubblicati sul sito internet dell’Opera i bandi di selezione per l’ammissione al nuovo organico che sarà diretto dal Maestro Nicola Paszkowski. Un’opportunità di alto livello formativo per i giovani musicisti, di acquisire competenze specifiche nel repertorio operistico e sinfonico: docenti degli allievi dell’Orchestra Giovanile, saranno le stesse Prime Parti del Teatro dell’Opera di Roma. Tutte le informazioni su www.operaroma.it
Dell’Orchestra Giovanile possono far parte strumentisti di violino, viola, violoncello, contrabbasso, flauto, oboe, clarinetto, fagotto, corno, tromba, trombone, timpani, percussioni e arpa nati tra il 1987 e il 1996. Ed è aperta a cittadini italiani, della Comunità Europea ed extracomunitari legalmente residenti in Italia.
Il ciclo di lezioni, che avranno la durata di due anni, prevedono, masterclass sui Passi d’Orchestra (incontri individuali) con le Prime Parti del Teatro dell’Opera di Roma; lezioni a sezioni e lezioni di Musica da Camera con le Prime Parti del Teatro dell’Opera di Roma; sezioni di Prova dei Concerti dirette dal Maestro Nicola Paszkowski; Concerti diretti dal Maestro Nicola Paszkowski.

L’Orchestra Giovanile è la quarta area di formazione del neonato Dipartimento Didattica e Formazione dell’Opera – con sede operativa nella Sala Respighi recentemente inaugurata – fortemente voluto dal sovrintendente Catello De Martino, nella convinzione dell’alto valore culturale affidato all’esperienza educativa per la nascita di nuove generazioni di artisti e per la trasmissione del patrimonio culturale musicale al pubblico di domani.

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Lakmé - Léo Delibes (dir. Richard Bonynge)

2011-12-11T11:46:00.005+01:00

Titolo: Lakmé

Compositore: Léo Delibes

Direttore: Richard Bonynge

Etichetta: Decca

Numero CD: 2

Prezzo: € 18,90

Interpreti: Joan Sutherland, Gabriel Bacquier, Alain Vanzo

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Invito all'ascolto: forse in Italia il nome di Delibes non è molto noto, ma siamo sicuri che anche gli amanti meno attenti potranno riconoscere in questa opera alcuni passaggi famosissimi e di una meraviglia assoluta. Un'Opera davvero imperdibile, con uno dei più grandi direttori di sempre e una fantastica Sutherland, interprete sempre e comunque di altissimo livello, in grado di dare un valore aggiunto a ogni prodotto. Questa edizione non presenta un cofanetto, e di conseguenza non abbiamo la possibilità di avere il libretto incluso, ma ormai questa scelta diventa sempre più frequente, da quando con un certa facilità si può trovare il materiale online. Una bellissima edizione, comunque, di alta qualità, a un prezzo accessibilissimo. Magari può essere un bel regalo per le feste in arrivo. Se non avete ancora la Lakmé, provvedete!

Voto prodotto: 7+

Concerto di Natale all'Opera di Roma

2011-12-10T19:07:00.001+01:00

Martedì 13 dicembre, alle ore 19

Saggio-Concerto di Natale degli allievi della

Scuola di Canto Corale dell’Opera

BIANCHE NOTE DI NATALE

AL TEATRO NAZIONALE

Martedì 13 dicembre, alle ore 19, al Teatro Nazionale il Coro di Voci Bianche diretto dal Maestro José Maria Sciutto, il Coro Preparatorio e il Coro dei Piccoli dell’Opera di Roma diretto dal Maestro Isabella Giorcelli, saranno protagonisti di Bianche Note di Natale, saggio-concerto presentato dal Teatro dell’Opera per salutare l’arrivo delle feste natalizie sulle note di canti tradizionali eseguite dagli allievi della Scuola di Canto Corale per Voci Bianche del Dipartimento Didattica e Formazione del Teatro dell’Opera di Roma.

In ensemble, insieme agli allievi della Scuola di Canto Corale: Annamaria De Martino (pianoforte), Agnese Coco (arpa), Michele Palmiero (contrabbasso), Roberto Massimi (charango-cuarto), Gabriele Biagini (bombo).

I piccoli cantori dell’Opera allieteranno il pubblico con una rassegna di canti natalizi: apriranno il concerto i bambini del Coro Preparatorio e del Coro dei Piccoli, con brani delle tradizioni popolari dal mondo, Die musici (Germania), Les anges des cieux (Francia), Al Huachi torito (Argentina), Samba lelè (Brasile), proposta nell’elaborazione del Maestro José Maria Sciutto, Dormi dormi bel bambino (Italia), Passerotto vola via (Portogallo), Vihuda leolam teshev di J. Jacobson, Erets tzavat khalav di E. Gamliel, Yo vengo di Rodolfo Ascencio, Filastrocca di Capodanno di C. Ganzerla con testo di G. Rodari, insieme a A New Year Carol di B. Britten e Bella stella di W. A. Mozart.

Nella seconda parte del concerto il Coro di Voci Bianche eseguirà Dancing Day di J. Rutter, Nobody Knows Nero Spiritual arrangiato da C. Nuñez, Stille Nacht di F. Grüber, Tu scendi dalle stelle di Alfonso Maria de’ Liguori, entrambe nell’elaborazione di P. Colino.

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Desirée Rancatore debutta a San Pietroburgo

2011-12-07T11:04:00.001+01:00

Desirée Rancatore, protagonista con la Gilda di Rigoletto del Festival di Macerata nell’estate 2011, è pronta a conquistare il pubblico russo in una serata di Gala dedicata a Verdi in cui interpretarà arie da Rigoletto e da La Traviata. Il concerto si terrà il prossimo 15 dicembre nell’ambito del XII International Winter Festival in Art Square e vedrà la partecipazione tel tenore Francesco Meli, del mezzosoprano Olga Lehman-Balashova e del baritono Leo Nucci. Proprio quest’ultimo ha interpretato Rigoletto insieme al soprano palermitano in varie occasioni, l’ultima delle quali Pechino quando il pubblico ha chiesto il bis del famoso duetto Si, vendetta. Infine la St. Petersburg Academy Symphony Orchestra sarà diretta dalla bacchetta di Andrea Battistoni.

All'Opera di Roma: Elektra

2011-09-24T12:27:00.000+02:00

La prima venerdì 30 settembre, sul podio Stefan Soltesz

All’Opera di Roma, Elektra
l'ossessione della vendetta

La regìa di Nikolaus Lehnhoff, tra cultura classica e psicoanalisi

Protagoniste Eva Johansson, Felicity Palmer e Melanie Diener

Pareti di cemento sghembe, definiscono la scena di Elektra, che venerdì 30 settembre, alle 20.30, riaprirà il cartellone 2010-2011 del Teatro dell’Opera. Il capolavoro di Richard Strauss su libretto del poeta Hugo von Hofmannsthal, dalla tragedia di Sofocle, viene presentato (in lingua originale, con sovratitoli in italiano) in coproduzione con il Salzburger Festspiele, con la regìa di Nikolaus Lehnhoff. A partire dal successo di Salisburgo, Lehnhoff spiega le sue idee semplici ed efficaci sull’allestimento, "Elettra è ossessionata dall’idea di vendicare la morte del padre Agamennone". Unica ragione di vita della protagonista è assassinare la madre Clitennestra, colpevole di aver ucciso il padre. "Elettra – aggiunge Lehnhoff – vive nel passato, la sua schiavitù è questa idea fissa della vendetta; è l! a sua ragion d’essere. Elettra cerca di aderire all’identità del padre come ad una seconda pelle. L’opera si svolge in uno spazio prevalentemente occupato da Elettra, è un’interfaccia della sua ossessione. Lei si è imprigionata nella fortezza della sua mente, un luogo che è allo stesso tempo un rifugio ed una trappola". Una vicenda che non ha vie d’uscita al di fuori del circolo del crimine.
Sul podio, l’ungherese Stefan Soltesz - specialista nell'esecuzione delle opere di Strauss - alla direzione di un cast di interpreti di rilievo internazionale: Felicity Palmer (Klytämnestra), Eva Johansson (Elektra), Melanie Diener (Chrysothemis), Wolfgang Schmidt (Aegisth), Alejandro Marco-Buhrmester (Orest). Le scene sono di Raimund Bauer, i costumi di Andrea Schmidt-Futterer, le luci di Duane Schuler. Maestro del Coro Gea Garatti Ansini. Elektra, dopo la prima del 30 settembre, andrà in scena domenica 2 ottobre (17.00), martedì 4 ottobre (20.30), giovedì 6 ottobre (20.30), sabato 8 ottobre (18.00).
L’opera, composta su libretto del poeta Hugo von Hofmannsthal tratto dalla omonima tragedia di Sofocle, andò in scena in prima assoluta alla Hofoper di Dresda nel gennaio 1909. Al Costanzi fu presentata la prima volta nel 1912, protagonista Emma Carelli.

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È morto Salvatore Licitra

2011-09-05T18:01:00.003+02:00

Il tenore, definito il nuovo Pavarotti, aveva 43 anni

CATANIA - È morto stanotte il tenore Salvatore Licitra, 43 anni, tra le voci della lirica più amate nel mondo. Era stato ricoverato lo scorso 27 agosto, quando un malore improvviso lo aveva fatto cadere dallo scooter sul quale stava viaggiando insieme alla fidanzata, a Donnalucata. Durante la sua breve vacanza in Sicilia avrebbe dovuto ricevere anche il Premio Ragusani nel Mondo. Licitra era stato ricoverato all'ospedale Garibaldi di Catania in gravissime condizioni, dove gli era stata diagnosticata una grave ischemia cerebrale, e da allora non aveva più ripreso conoscenza.

Fonte: repubblica.it Clicca qui per l'articolo completo

Il Teatro dell'Opera di Roma verso l'autonomia

2011-08-07T19:50:00.001+02:00

Siglato nella notte un importante protocollo di intesa sindacale
il Teatro dell’Opera a grandi passi verso verso l’autonomia

I contenuti qualificanti dell’intesa possono riassumersi come segue: l’individuazione di percorsi che vedono il Sindaco Presidente avviare azioni volte al superamento del problema del precariato; l’impegno del Sindaco ad intervenire anche in ambito legislativo al fine di istituzionalizzare l’autonomia del Teatro, anche quale espressione del complessivo nuovo assetto dell’Amministrazione capitolina; l’impegno del Sindaco ad affrontare il tema dei finanziamenti istituzionali, al fine di carratterizzarli con contributi almeno triennali, che consentano una coerente e proficua attività di programmazione; l ‘impegno infine, ad attivare dal prossimo mese di settembre tavoli di confronto per la definizione di un sistema di regole condiviso per attuare le relazioni sindacali previste dalla legge e dai contratti.
Il Sovrintendente del Teatro dell’Opera di Roma, Catello De Martino, con viva soddisfazione rende noto che: “Un nuovo, importante passo avanti è stato fatto verso il riconoscimento dell’eccellenza artistica e amministrativa del Teatro dell’Opera. Infatti, nello spirito di rilancio del Teatro, il Sindaco Presidente, On. Giovanni Alemanno, ha sottoscritto nel corso della notte un protocollo di fondamentale importanza strategica, che pone definitivamente le basi più per la prosecuzione del progetto che vede l’Opera come teatro rappresentativo di Roma Capitale nel contesto internazionale che gli è proprio. Questa intesa è stata sottoscritta con tutte le Organizzazioni Sindacali firmatarie dei contratti collettivi e aziendali e segue il recente e importantissimo risultato che ha visto la Fondazione raggiungere un p! areggio di bilancio positivo, tanto più importante considerato lo stato di crisi nel quale il Teatro ha versato negli ultimi anni”.

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Andrea Chenier sul Lago di Costanza

2011-07-18T16:56:00.001+02:00

Immagini spettacolari da Bregenz, Austria, dove si sta per inaugurare il Festival estivo edizione 2011, che comincerà il 20 luglio con una futuribile edizione dell'opera lirica Andrea Chenier di Umberto Giordano. Come ogni anno, la cittadina austriaca, magicamente collocata sul Lago di Costanza, allestisce un immenso palcoscenico galleggiante, visibile da terra da 7mila persone che prima dell'inizio dello show beneficiano del tramonto sul lago. Da sempre, l'evento si distingue per gli effetti speciali che sa creare, e quest'anno, come mostrano le immagini, la fama non verrà smentita. La scenografia consta infatti di un'immensa testa ispirata al quadro "La Morte di Marat" (l'opera è ambientata durante la Rivoluzione Francese) di Jacques Louis David. Il mix di luce naturale e dei colori del tramonto fanno il resto.

Fonte: www.repubblica.it

Tosca, sul magico set di caracalla

2011-07-14T22:40:00.001+02:00

Da giovedì 21 luglio, Asher Fisch sul podio di Caracalla

TOSCA, SUL MAGICO SET DI CARACALLA
Protagonisti Csilla Boross, Thiago Arancam e Carlo Guelfi
Nuovo allestimento ambientato su un set cinematografico

I suggestivi ruderi delle Terme di Caracalla, da giovedì 21 luglio fino al 10 agosto, alle 21, si trasformeranno in un ideale set cinematografico per celebrare Roma con la Tosca di Giacomo Puccini. La storia d’amore tra il pittore Cavaradossi e l’attrice Tosca e il capo della polizia Scarpia sarà raccontata in un nuovo allestimento che il regista francese Arnaud Bernard ha immaginato su un set cinematografico, nel corso delle riprese di un film sulla tragedia pucciniana.
“Tutto lo spettacolo si svolge su un set cinematografico - spiega Bernard - Siamo a Roma, dunque a Cinecittà. Il palcoscenico è concepito come un set nel quale sono in corso le riprese di un film su Tosca. Vedremo – continua il regista - il doppio mondo dell’attore che aspetta dietro le quinte e dell’attore che diventa personaggio quando entra in scena”.
A dirigere Tosca sarà la bacchetta di Asher Fisch, giovane direttore d’orchestra, applaudito interprete del repertorio tedesco e italiano di Ottocento e Novecento, ospite nei più importanti palcoscenici internazionali, lo Staatsoper di Vienna e di Berlino, il Covent Garden di Londra, il Met di New York. In scena si alterneranno, nel ruolo di Floria Tosca, Csilla Boross e Nadia Vezzù (24 luglio, 3 e 10 agosto), nel ruolo di Mario Cavaradossi, Thiago Arancam e Kamen Chanev (3, 5 e 10 agosto), nel ruolo del barone Scarpia, Carlo Guelfi e Claudio Otelli (24 luglio, 3 e 10 agosto) .
Dopo la “prima” del 21 luglio, la Tosca si replicherà domenica 24 luglio, giovedì 28 luglio, mercoledì 3 agosto, venerdì 5 agosto, mercoledì 10 agosto. L’orario d’inizio degli spettacoli è fissato per le 21.
Tosca, l’opera di Giacomo Puccini su libretto di Luigi Illica e Giuseppe Giacosa, tratto dall’omonimo dramma di Victorien Sardou (1887), fu rappresentato per la prima volta al Teatro Costanzi il 14 gennaio 1900.

BIGLIETTI PER LA STAGIONE 2011. E’ possibile acquistare i biglietti per la Stagione estiva 2011 alle Terme di Caracalla presso la biglietteria del Teatro, tramite il sito internet www.listicket.it o il call center LisTicket (892.982). I biglietti sono inoltre disponibili presso tutti i Punti Vendita LisTicket (Lottomatica).

Celso Albelo al Festival Proms

2011-07-13T16:56:00.001+02:00

Il tenore spagnolo Celso Albelo è nella capitale britannica per partecipare al Festival Proms BBC nella Royal Albert Hall il prossimo sabato 16 luglio. Albelo sarà Roud nell’opera rossiniana Guillaume Tell, presentata in versione concerto e diretta da Antonio Pappano sul podio dell’Orchestra dell’Accademia di Santa Cecilia.
In quest’occasione si presenterà anche il disco della stessa opera registrato l’anno scorso a Roma con lo stesso cast, che include John Osborn, Michele Pertusi e Malyn Byström e pubblicato da EMI: “Sono molto contento che il mio debutto in Inghilterra sia nei celebri Proms di Londra e diretto da un grande maestro come Antonio Pappano”, ha dichiarato il tenore.

Albelo è considerato uno dei migliori tenori del momento e tra i suoi prossimi impegni ci saranno i debutti alla Royal Opera House Covent Garden con La Sonnambula, e a Pechino con L’elisir d’amore.

Nel 2010 il tenore è stato premiato con l’Oscar della lirica dalla Fondazione Arena di Verona.

Contatto: Fidelio Artist (P.R.)
hnogales@fidelioartist.com Tel.: (+34) 664 25 96 13

Incontro con Carlus Padrissa

2011-06-28T15:55:00.000+02:00

CARLUS PADRISSA INCONTRA I GIORNALISTI
ALLE TERME DI CARACALLA

Giovedì 30 giugno alle 18.30, alle Terme di Caracalla, il regista Carlus Padrissa per La Fura dels Baus e il video realizzatore Emmanuel Carlier incontreranno i giornalisti nel corso delle prove di Trilogia Romana di Ottorino Respighi, concerto multimediale di immagini e suono.
Saranno presenti il Sovrintendente della Fondazione Teatro dell’Opera di Roma Catello De Martino e il Direttore Artistico Alessio Vlad.

Terme di Caracalla – Via Antoniniana (ingresso artisti)

Per informazioni e documentazione: Ufficio stampa Teatro dell’Opera
tel. 06 48160217/228 - ufficiostampa@operaroma.it

La Fura dels Baus a Caracalla

2011-06-18T16:54:00.001+02:00

L’arte spettacolare de La Fura dels Baus
tra le grandiose rovine delle Terme Caracalla
Un concerto dedicato a Roma con le opere di Respighi
“Le feste romane”, “Le fontane di Roma” e “I pini di Roma”

Un vero e proprio evento internazionale, unico: l’arte spettacolare de La Fura dels Baus tra le rovine delle Terme di Caracalla. Una doppia suggestione, un doppio incanto: sabato 2 luglio, alle 21.30, si apre la stagione musicale estiva di Caracalla 2011 con un concerto-spettacolo con l’esecuzione dei poemi sinfonici più famosi di Ottorino Respighi, diretti dal Maestro Charles Dutoit: Le feste romane (1928), Le fontane di Roma (1916), I pini di Roma(1924) raccolti sotto il titolo La Trilogia Romana. Un allestimento scenico curato da La Fura dels Baus. Il prestigioso ensemble catalano, di grande forza innovativa e spettacolare, porta sulla scena di Caracalla una nuova produzione, in collaborazione con il “Palau de Les Arts “Reina Sofia” di Valencia, per raccontare la magìa di Roma attraverso i suoi colori, i paesagg! i visivi e musicali. Non un attore sulla scena - spiega il regista Carlus Padrissa - per un allestimento che è puro esercizio dell’immaginazione attraverso l’uso dell’immagine e del movimento, con una serie di video, realizzati da Emmanuel Carlier, proiettati su un labirinto di schermi mobili. In un dialogo esclusivo tra musica e luce dal suggestivo potere emotivo.
Di particolare prestigio la presenza sul podio di Caracalla del Maestro Charles Dutoit, un grande nome di prestigio internazionale che per la prima volta dirige l’Orchestra del Teatro dell’Opera. Classe 1936, Dutoit ha diretto le più importanti orchestre ed è considerato uno dei più grandi interpreti del repertorio del XX secolo. È attualmente direttore principale della Royal Philarmonic Orchestra e dell’Orchestra Sinfonica di Filadelfia.
Ed è già tutto pronto per il trasloco estivo del Teatro dell’Opera a Caracalla. Il palcoscenico tra le meravigliose rovine sta prendendo vita e la platea quest’anno si amplierà portando il numero di spettatori a 3.500. Spettatori che prenotano da tutto il mondo. Il cartellone, dopo la Trilogia romana, proseguirà con il balletto Il lago dei cigni (da giovedì 7 a mercoledì 20 luglio); quindi la Tosca (21, 24 e 28 luglio, 3, 5 e 10 agosto); seguirà il Gala Roberto Bolle and friends (23 luglio); in fine gran chiusura di stagione estiva con Aida di Giuseppe Verdi (da martedì 2 a martedì 9 agosto). L’orario d’inizio di questi spettacoli è fissato per le ore 21.
BIGLIETTI PER LA STAGIONE 2011. E’ possibile acquistare i biglietti per la Stagione estiva 2011 alle Terme di Caracalla presso la biglietteria del Teatro, tramite il sito internet www.listicket.it o il call center LisTicket (892.982). I biglietti sono inoltre disponibili presso tutti i Punti Vendita LisTicket (Lottomatica).

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Traviata all'Arena di Verona

2011-06-17T17:01:00.003+02:00

Con piacere rompo il silenzio fin troppo lungo per ricordare a tutti gli appassionati l'evento di stasera, con la prima della Traviata all'Arena di Verona. E con altrettanto piacere punto l'attenzione su Francesco Demuro, tenore sardo, che stasera debutta nel ruolo di Alfredo. Quindi è a lui e a tutto gli altri che dedico queste poche righe, già consapevole che sarà un successo strepitoso.

Ma ecco direttamente dal sito dell'Arena due righe di introduzione:
Traviata, primadonna parigina esponente del "mal du siècle"

Dopo il fortunato debutto di Rigoletto, Giuseppe Verdi inizia a lavorare su due nuove opere: Il Trovatore per il Teatro Apollo di Roma e un'altra opera per il Teatro La Fenice di Venezia. La composizione di questa seconda opera è più travagliata, in quanto Verdi non riesce a sceglierne il soggetto. L'ispirazione arriva assistendo alla prima recita parigina della pièce teatrale La dame aux camélias tratta dal romanzo di Dumas figlio, scritto nel 1848, fortemente autobiografico e dal contenuto altamente scandalistico. Giuseppe Verdi affida la stesura del libretto a Francesco Maria Piave che in appena cinque giorni scrive lo scenario di Traviata riproducendo sostanzialmente il piano drammatico del romanzo e dividendo l'opera in tre atti rispetto ai cinque della pièce.

L'idea di musicare un dramma molto discusso a quell'epoca è un'impresa quantomeno audace e dimostra il grande coraggio di Giuseppe Verdi: la protagonista del romanzo, Margherite Gautier infatti è realmente esistita. L'opera di Verdi segue fedelmente il testo di Dumas e soprattutto lo spirito del dramma dello scrittore francese, ma i nomi dei personaggi vengono cambiati per ragioni di prudenza.

La censura veneziana, particolarmente tollerante nei confronti del compositore cambia il titolo proposto da Verdi da Amore e morte in Traviata e antepone la vicenda al XVIII secolo, per cercare di annullare l'effetto troppo realistico alimentato dalla scabrosità del soggetto. Alcuni spettatori dell'alta società, infatti avrebbero potuto riconoscersi nei protagonisti della finzione scenica. Eliminando però l'effetto provocante, al pubblico non rimane altro che ammirare un normale cliché melodrammatico.

Per la prima volta Verdi utilizza una tecnica narrativa insolita per il melodramma dell'epoca, applicata però alla sola musica e senza l'ausilio delle parole. In termini moderni si può parlare di flashback. L'ascoltatore viene condotto per mano in questo viaggio a ritroso nel tempo, durante le feste parigine, in una situazione di euforica allegria che contrasta con l'immagine di Violetta che giace ammalata nel suo letto. Il tema stesso della tisi, malattia romantica di moda, che affligge Violetta, ispira a Verdi le più alte pagine musicali.

Dopo le difficoltà iniziali l'opera va finalmente in scena al Teatro La Fenice, il 6 marzo 1853. Purtroppo alla sua prima rappresentazione Traviata è un insuccesso: i cantanti sono fisicamente inadatti alle parti e a questo bisogna aggiungere lo scarso impegno di alcuni di loro. L'anno seguente Verdi modifica, anche se di poco, la partitura per adattarla ai nuovi cantanti e il 6 maggio 1854 l'opera viene rappresentata al Teatro San Benedetto di Venezia ottenendo finalmente il meritato successo.

Be', buon ascolto a tutti.

Turandot, Gozzi & Puccini

2011-04-03T22:26:00.003+02:00

Titolo: Turandot (con 2 DVD)
Autori: Gozzi & Puccini
Prezzo: € 28.40
Dati: 2009, 79 p., ill., rilegato
Curatore: Daverio P.

In sintesi:
Music & Book Gallery è il nuovo progetto editoriale di Classica Italia che ha per padrino Philippe Daverio, il più famoso anfitrione della cultura italiana. Ogni numero della collana presenta l'edizione esclusiva di una performance musicale: un'opera, un concerto, uno spettacolo di danza o un documentario introdotto da esperti e accompagnato da approfondimenti e backstage. Di volta in volta, Philippe Daverio racconta in video i caratteri, i misteri e le ragioni della fortuna delle opere presentate. Il libro, scelto fra i capolavori riconosciuti della letteratura mondiale, offre un'inconsueta chiave di lettura e completa le tematiche proposte nei dvd. Questo numero unisce la magia della fiaba di Carlo Gozzi alle atmosfere dell'opera pucciniana diretta da Zubin Mehta.

COMPRA IL LIBRO CON I 2 DVD!

Le Villi, Puccini

2011-02-11T14:53:00.003+01:00

Titolo: Le villi
Compositore: Giacomo Puccini
Etichetta: Opera D'Oro
Prezzo: € 8,50

Invito all'ascolto:
Ogni tanto dovremmo andare a recuperare qualche opera tra le meno ascoltate. E benché Puccini sia l'ultimo grande Maestro della lirica italiana, alcune sue composizioni vengono certamente oscurate dai grandi classici ascoltati in tutto il mondo. È il caso de Le Villi, prima opera composta su libretto di Fontana. Un successo immediato e travolgente, benché la partitura abbia conosciuto un lungo travaglio. Oggi vogliamo quindi invitarvi a recuperare l'opera prima di Puccini, un pezzo della storia del Teatro che non possiamo ignorare.

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Dvorak, Sinfonie n. 8 e 9 (dir. J. Levine)

2011-01-01T15:14:00.003+01:00

Titolo: Sinfonie n. 8 e 9
Compositore: A. Dvorak
Direttore: J. Levine
Prezzo: € 5,90

Disponibile anche in mp3!

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Recensione: Questo è un blog dedicato all'Opera Lirica, vero, ma ogni tanto ci piace spaziare un po' e ci prendiamo la libertà di segnalare qualcosa di diverso. Ecco quindi che ci è capitato di ascoltare questo pregiatissimo cd con le sinfonie numero 8 e 9 del compositore Dvorak. "From the new world"... ci sono lavori che regalano l'immortalità e queste due sinfonie (soprattutto l'eleganza e la travolgente passione della numero 9) rimarranno per sempre legate alla storia della musica, donando a Dvorak quell'immortalità che merita. A dirigere l'orchestra un Levine in splendida forma, come sempre, direttore che abbiamo apprezzato in tante esecusioni operistiche e che anche in questa occasione ci dona un'esecusione magistrale, raffinata e precisa. E poi, poter apprezzare un cd di questa qualità a un prezzo così basso è veramente un'occasione da non perdere. Una delle opere sinfoniche più meritevoli di sempre, e un direttore che è tra i più grandi in assoluto. Uncd da ascoltare e non perdere.

Voto: 9

Anna Bolena, di G. Donizetti (Julius Rudel)

2010-12-17T18:59:00.006+01:00

Titolo: Anna Bolena
Compositore: Gaetano Donizetti
Direttore: Julius Rudel
Etichetta: Brilliant Classic
Prezzo: € 15.00
Dischi: 3
Anno incisione: 1972

CLICCA QUI PER COMPRARE

Interpreti:
Anna Bolena - Beverly Sills
Enrico VIII - Paul Plishka
Giovanna Seymour - Shirley Verrett
Lord Rochefort - Robert Lloyd
Lord Percy - Stuart Burrows
Smeton - Patricia Kern
Hervey - Robert Tear

Giudizio
Anna Bolena è una delle opere più famose e importanti di Donizetti, anche se non molto rappresentata, vista la lunghezza. In questo cofanetto la possiamo apprezzare in tutta la sua durata di ben 194 minuti. Ottima la direzione che ci restituisce tutta la vitalità di Donizetti e gli interpreti davvero impeccabili. Non è facile trovare un cofanetto di Opera che costa poco e abbina a questo un'ottima qualità. Quindi suggeriamo a tutti di non perdere questa occasione. Anna Bolena è un'opera imperdibile. E a queste condizioni lo è ancora di più.

Voto: 8

La stagione dell’Opera di Roma 2010/2011

2010-11-23T21:49:00.000+01:00

Giovedì 2 dicembre si apre la nuova stagione dell’Opera di Roma

CON MOÏSE ET PHARAON DI ROSSINI DIRETTO DAL MAESTRO MUTI
ROMA DIVENTA CAPITALE DELLA MUSICA

Martedì 30 novembre, ore 19, anteprima per beneficenza
Il maestro Riccardo Muti apre, il 2 dicembre (ore 19), la nuova stagione 2010/2011 del Teatro dell’Opera di Roma con la direzione del Moїse et Pharaon ou Le Passage de la Mer Rouge di Gioachino Rossini, l’edizione francese del capolavoro rossiniano è in prima esecuzione assoluta nella Capitale. Il nuovo allestimento porta la firma di Pier’Alli per la regia, le scene e i costumi; coreografo d’eccezione, al suo debutto all’Opera di Roma, Shen Wei, prestigioso nome del mondo della danza internazionale; il Coro è guidato dal maestro Roberto Gabbiani; le luci sono di Guido Levi. Sulla scena un ca st di assoluto prestigio con Ildar Abdrazakov (Moïse), Nicola Alaimo (Pharaon), Eric Cutler (Aménophis), Juan Francisco Gatell (Eliézer), Riccardo Zanellato (Osiride), Saverio Fiore (Aufide), Sonia Ganassi (Sinaïde) 2,5,7,9,11, Nino Surguladze 12, Anna Kasyan (Anaï) 2,7,9, Erika Grimaldi 5,11,12, Barbara Di Castri (Marie), Fang-Yi Sheu (Étoile ospite).
Un particolare rilievo assumerà la serata del 30 novembre, ore 19, che vedrà un’ANTEPRIMA DI GALA del Moïse et Pharaon di Rossini diretto dal maestro Riccardo Muti. Sarà una serata di beneficenza in favore di Agenda Sant’Egidio, un’associazione senza scopo di lucro, fondata nel luglio 2009 a

Roma, da Maite Bulgari, che ha come finalità il sostegno di tutte le attività contro la povertà e l’assistenza promosse dalla Comunità di Sant’Egidio.
Moïse et Pharaon sarà replicata domenica 5 dicembre (ore 16.30), martedì 7 dicembre (ore 19), giovedì 9 dicembre (ore 19), sabato 11 dicembre (ore 18), domenica 12 dicembre (ore 16.30). La messa in scena è proposta con sovratitoli in italiano.
Moïse et Pharaon debuttò al Théȃtre de L’Académie Royal de Musique di Parigi nel 1827, rielaborazione sul modello del grand-operà francese della precedente versione napoletana Mosè in Egitto (prima rappresentazione, Teatro San Carlo 5 marzo 1818). Nel 1827 la prima esecuzione del Mosè dal Moїse avvenne proprio a Roma, in forma di concerto (in una traduzione di cui non si conosce l’autore) all’Accademia Filarmonica. L’ ;opera nella traduzione italiana di Calisto Bassi giunse a Teatro Costanzi il 23 aprile 1918.

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"Manon", Massenet

2010-06-09T17:07:00.001+02:00

DOMANI 10 GIUGNO
ALLE ORE 14.30

NELLA SALA “EMMA CARELLI” AL IV PIANO

CONFERENZA STAMPA
DI PRESENTAZIONE
DELLA PRODUZIONE

“MANON”

IN SCENA DAL 17 AL 24 GIUGNO
AL TEATRO DELL’OPERA

Domani 10 giugno alle ore 14.30 presso la Sala Conferenze, Foyer del quarto piano, sarà presentata l’opera Manon, Opéra-comique in cinque atti e sei quadri, Libretto di Henri Meilhac e Philippe Gille, dal romanzo Histoire du Chevalier des Grieux et de Manon Lescaut di Antoine François Prévost, Musica di Jules Massenet.

All’incontro con i giornalisti saranno presenti il Direttore Artistico M° Alessio Vlad, il Maestro Concertatore e Direttore Alain Guingal, il Regista Jean-Louis Grinda, e gli interpreti della produzione.

Opera Roma: ecco il calendario 2010

2009-12-03T17:28:00.000+01:00

Il sindaco Alemanno annuncia: finito il commissariamento
Oggi si insedia il nuovo consiglio di amministrazione del Teatro dell’Opera

“Falstaff” inaugura il cartellone 2010 con Fisch e Zeffirelli
Il grande repertorio italiano: da Verdi a Boito, da Puccini a Donizetti, a Cilea
Per “Tosca” ricostruito l’allestimento originale del 1900
Estate a Caracalla nel nome di “Aida” e “Rigoletto”

OREN E BARTOLETTI TRA I DIRETTORI. REGIE DI CRIVELLI E DI VIZIOLI
CANTANO DESSÌ E MASSIS, NIZZA E SERAFIN,
GANASSI E VASSILEVA, BRUSON E ANASTASSOV, GIORDANI E ARMILIATO

“Giselle” e “Don Chisciotte”, “Romeo e Giulietta” e “Sylvia”
e il primo balletto sovietico “Il papavero rosso” mai visto in Italia
Al Nazionale si danza con Chopin, Béjart, Daniele Lombardi, Leo Ferré e Tolstoj

NUOVA OPERA DI ADRIANO GUARNIERI SUI TESTI DI MASSIMO CACCIARI

E il 3 dicembre 2010 Riccardo Muti aprirà la stagione 2010-2011

Il sindaco Giovanni Alemanno annuncia dopo otto mesi la fine del commissariamento, e il varo del nuovo consiglio di amministrazione, proprio nel giorno in cui il Teatro dell’Opera di Roma presenta la stagione 2010. La fondazione ritrova quindi il naturale assetto istituzionale: nel pomeriggio sono previste le nomine di vertice nella prima seduta del cda fissata in Campidoglio alle 15. L’attesa sarà poi tutta rivolta al futuro rapporto con Riccardo Muti, i cui termini si stabiliranno nelle prossime settimane. Ma è già deciso che il maestro tornerà sul podio del Costanzi giusto tra un anno, il 3 dicembre 2010, per inaugurare la successiva stagione 2010-2011: il teatro riprenderà così un’antica consuetudine nella scansione del calendario artistico non più basato su quello solare.
Il cartellone 2010 valorizza l’impegno dell’Orchestra, del Coro curato da Andrea Giorgi, del Corpo di Ballo diretto da Carla Fracci, dei tecnici e delle maestranze innanzi tutto con il grande repertorio italiano che segna l’offerta di lirica: tre titoli di Verdi (Falstaff apre il 23 gennaio, Aida e Rigoletto a Caracalla), due di Puccini (Madama Butterfly e Tosca), poi Boito (Mefistofele), Donizetti (Roberto Devereux) e Cilea (Adriana Lecouvreur), cui si accosta Manon di Massenet. In vari casi produzioni assenti da Roma da decenni. La danza ruota sul ritorno di tre capolavori (Giselle, Don Chisciotte, Romeo e Giulietta), sulla riedizione di un classico senza tempo (Sylvia), su una rara coreografia sovietica (Il papavero rosso) e sei creazioni in agenda al Teatro Nazionale. Dove spicca il nuov o lavoro di Adriano Guarnieri (Tenebrae) sui testi di Massimo Cacciari. In totale sono 11 le opere (78 recite) e 14 i balletti (84 recite), più due concerti. Da oggi al 12 dicembre spazio al botteghino per i neoabbonati, dal 15 dicembre in vendita i biglietti degli spettacoli.
Sono nove al momento le aziende che nel 2010 sosterranno il Teatro dell’Opera di Roma: American Express, Mercedes Benz, Banca Etruria, Camera di Commercio di Roma, Gruppo SitCom, Roma Uno, Dimensione Suono Due, Roma Uno, Dimensione Danza, Hotel Quirinale.
Opera al Teatro dell’Opera / Teatro Costanzi

Chiuderà la stagione 2009 con una Traviata da record, avrà di nuovo i riflettori per l’apertura della stagione 2010: Franco Zeffirelli (nel 1963-64 ne plasmò una memorabile edizione) firma le scene e la regia di Falstaff in cartellone dal 23 fino al 31 gennaio per otto recite. L’ultima opera composta dall’ottuagenario Giuseppe Verdi, che vide la rappresentazione del 1893, manca nella capitale da un ventennio. Sul podio va l’israeliano Asher Fisch, conteso dai maggiori templi musicali d’Europa e d’America, che nel 2008 al Teatro dell’Opera diresse l’opera-evento Viaggio alla fine del millennio con il libretto dello scrittore Abraham B. Yehoshua. Due serate saranno affidate alla bacchetta di Andriy Yurkevych.Costumi d’autore di Maurizio Millenotti, acclamato e pluripremiato dal cinema mondiale. Renato Bruson guida una compagni a in cui svetta Daniela Dessì attorniata, tra gli altri, da interpreti del rango di Ruggero Raimondi, Juan Pons e di Carlos Álvarez al debutto romano. Nuovo allestimento. Orchestra e Coro del Teatro.

Dal 16 al 23 marzo, dopo un’assenza di mezzo secolo, riappare all’Opera Mefistofele del poliedrico musicista-scrittore Arrigo Boito che la compose nel 1868 e la revisionò in modo drastico nel 1875, dipingendo la lotta tra il bene e il male, tra l’ideale e la realtà. Dirige il maestro Renato Palumbo. La regia è nelle esperte mani di Filippo Crivelli. La scena si basa sui bozzetti di Camillo Parravicini, caposcuola della scenografia italiana, che proprio all’Opera di Roma avviò e sviluppò una carriera prestigiosa. Cast internazionale: dal basso bulgaro Orlin Anastassov al tenore statunitense Stuart Neill, al nostro soprano lirico Amarilli Nizza. Sette le recite. Nuovo allestimento. Orchestra, Coro e Corpo di Ballo del Teatro.

Nove recite per l’attesa Tosca di Giacomo Puccini che proprio sulle tavole del Costanzi nacque il 14 gennaio 1900: vedremo un allestimento che ricostruisce quello originale della prima esecuzione con le scene e con i costumi disegnati dal pittore e scenografo tedesco Adolf Hohenstein (molto gli deve la grafica pubblicitaria in Italia) cui ridaranno forma Maurizio Varamo e Anna Biagiotti, i due pilastri dei Laboratori e della Sartoria del Teatro. Sul podio Fabrizio Maria Carminati. Regia di Andrejs Žagars, che guida l’Opera Nazionale di Riga. Tra i cantanti spicca la duttile, avvenente bulgara Svetla Vassileva. Dal 1° all’11 aprile. Orchestra e Coro del Teatro.

Si salta al 18 maggio, per il secondo titolo di Puccini, con la “prima” di Madama Butterfly: Daniel Oren torna sul podio, un podio dove è di casa da tempo, per dirigere dieci recite fino al giorno 28. Scene di Aldo Rossi, costumi di Anne Marie Heinreich. La produzione è firmata da Stefano Vizioli, musicista e regista di lirica tra i più apprezzati della sua generazione, molto attivo anche all’estero. Tra le voci il soprano Xiu Wei Sun. Allestimento del Comunale di Bologna. Orchestra e Coro del Teatro.

Ultimo titolo all’Opera, prima di spostarsi alle Terme di Caracalla per l’estate, sarà Manon di Jules Massenet: sette recite dal 17 al 24 giugno. Tocca alla bacchetta del maestro francese Alain Guingal. Scene di Paola Moro, costumi di Anna Biagiotti. La regia è di Jean-Louis Grinda. L’opéra-comique capolavoro del compositore francese manca a Roma dal 1983-84. Il soprano Annick Massis è la star della compagnia, nel ruolo della languida e ribelle protagonista. In coproduzione con l’Opéra di Montecarlo. In lingua originale, sovratitoli in italiano. Orchestra, Coro e Corpo di Ballo del Teatro.

Al Teatro Costanzi si riprende in autunno con un altro titolo assente da oltre vent’anni:il 1° ottobre tocca a Roberto Devereux di Gaetano Donizetti (cinque recite in calendario fino al giorno 6) che è destinato alla sapiente direzione del maestro Bruno Bartoletti. Il regista Joseph Franconi Lee attinge all’edizione di Alberto Fassini, allievo-collaboratore di Luchino Visconti, scomparso nel 2005, che fa parte del patrimonio di allestimenti “doc” del Teatro. Scene e costumi di David Walker. Interpreti principali Gian Luca Terranova, Carmela Remigio, Alberto Gazale e Sonia Ganassi che torna nel Teatro dove ha avviato la sua carriera. Orchestra e Coro del Teatro.

Ultimo appuntamento dell’anno (il 3 dicembre, come detto, Riccardo Muti inaugurerà con Moïse et Pharaon la successiva stagione 2010-2011) tornando così all’antica scansione del calendario – è dal 4 all’11 novembre per assistere ad Adriana Lecouvreur di Francesco Cilea. Dirige Maurizio Arena. L’allestimento risale alla celebre versione curata dal regista Mauro Bolognini. Le scene spettano a Ettore Rondelli, i costumi a Maria De Matteis. È Martina Serafin, la carismatica austriaca, la grande attrazione, nei panni di una celebre attrice della Comédie Française. La affianca un’artista del valore di Giovanna Casolla. Tenore protagonista Marcello Giordani. Sei le recite. Orchestra, Coro e Corpo di Ballo del Teatro.

Opera alle Terme di Caracalla

Sarà il genio immortale di Giuseppe Verdi a catturare la platea internazionale della stagione estiva nel sito monumentale di Caracalla per dolci serate al chiaro di luna. Aida, portata alle Terme fin dal 1938, sarà diretta dal maestro Daniel Oren. È una produzione fatta in casa, che si avvale dei talenti e dell’esperienza di chi al Teatro dell’Opera lavora da anni: Andrea Miglio cura le scene, Anna Biagiotti i costumi (in parte ricostruiti da quelli storici di Luigi Sapelli, in arte Caramba), Maurizio Di Mattia la regia. La coppia Daniela Dessì / Fabio Armiliato protagonista, con Giovanna Casolla nei panni di Amneris. Nove recite tra il 15 luglio e il 5 agosto. Orchestra, Coro e Corpo di Ballo.

Dal 28 luglio all’8 agosto si alterneranno con Aida sette recite di Rigoletto, affidate alla direzione del maestro Steven Mercurio. È dal 1991 che il melodramma battezzato alla Fenice di Venezia nel 1851 è assente da Caracalla. L’ultima ripresa fu nel ’95 a Villa Borghese, nella cornice di piazza di Siena, in una fase in cui le Terme erano off-limits per gli spettacoli. Nuovo allestimento. Orchestra e Coro del Teatro.

Opera al Teatro Nazionale

Due titoli in calendario al Nazionale nell’autunno 2010 si affiancano ai sette al Teatro dell’Opera e ai due a Caracalla. Dal 16 al 20 ottobre debutta la nuova creazione del maestro Adriano Guarnieri e della regista Cristina Mazzavillani Muti che a Roma hanno portato nel 2007 La pietra di diaspro. In coproduzione con il Ravenna Festival presentano adesso Tenebrae. Disiecta Membra, i cui testi sono estratti da alcuni lavori del filosofo Massimo Cacciari (che già collaborò con Luigi Nono) e dall’Officium Tenebrarum. L’opera, vero e proprio videoratorio con un fronte sonoro a 360 gradi, è dedicata al principe e compositore cinquecentesco Gesualdo da Venosa. Scenografia virtuale di Ezio Antonelli. Live electronics curati da Luigi Ceccarelli. Nel cast Ada Caiello, Sonia Visentin, Andrew Watts. Quattro recite.

Due settimane dopo, dal 2 al 10 novembre, un felice ritorno: La leggenda del fiore di lino, musical con gli animali come personaggi, pensato per bambini e ragazzi di ogni età, applaudito al Nazionale nel 2001 e nel 2003. È una creatura uscita dall’immaginazione e dalla verve artistica di Adriana Del Giudice (firma la musica) e di Rosa Stipo (i testi). L’adattamento teatrale, la regia, la coreografia e le luci sono di David Haughton, le scene di Michele Della Cioppa e i costumi di Anna Biagiotti.
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Balletto al Teatro dell’Opera / Teatro Costanzi

Il Corpo di Ballo forgiato da Carla Fracci si conquista la scena venerdì 12 febbraio per l’attesissima ricostruzione del balletto in tre atti Il papavero rosso, composto nel 1927 dall’ucraino Reinhold Glière, mai visto in Italia e assai di rado in Europa. La storia, dal sapore romantico, è ambientata nella Cina anni ’20: un legame d’amore sboccia tra una danzatrice cinese di cabaret e il capitano rivoluzionario di una nave russa approdata in Cina. Inevitabile il gioco di diversità e assonanze con il ruolo e il profilo assunto dal gigante asiatico nel mondo d’oggi. Cinque le recite fino al giorno 17 per il titolo che gettò le fondamenta della coreografia in stile sovietico: la firma Nikolay Androsov ispirandosi alla triade Lashchilin-Tikhomirov-Lavronsky. Sul podio sarà Andrey Anikhanov. Le scene e i costumi si devono a Elena Puliti, la regia &eg rave; di Beppe Menegatti. Oksana Kucheruk e Igor Yebra la coppia di artisti ospiti. Nuovo allestimento.

Pochi giorni e irrompe Giselle di Adolphe Adam, fiore all’occhiello del Corpo di Ballo. È la Fracci a mettere il sigillo sulla coreografia tratta da Coralli, Perrot, Petipa e Dolin. Il direttore d’orchestra è il tedesco Dieter Rossberg. Anna Anni, madame del teatro italiano, disegna scene e costumi. Artiste ospiti l’americana Ashley Bouder (è prima ballerina al New York City Ballet) e la russa Evgenia Obraztsova (pupilla del Mariinsky). Brilla l’étoile romana Laura Comi. Sei recite: 23-28 febbraio.

Saranno invece dieci le rappresentazioni di Don Chisciotte in agenda tra il 22 aprile e il 5 maggio sulle note composte dal musicista asburgico Ludwig Minkus nel 1869. La versione scelta per questo nuovo allestimento privilegia le coreografie originali di Marius Petipa e Alexander Gorsky, riprese da Mikhail Krapivin. Sul podio Marzio Conti. Scene e costumi affidati a Francesco Zito e Antonella Conte. Quattro super coppie di ospiti: Ekaterina Borchenko e Tamas Nagy, Evegnia Obraztsova e Andrian Fadeyev, Irma Nioradze e Anton Korsakov, Lorna Feijóo e Nelson Madrigal. Partecipano gli allievi della Scuola di Danza del Teatro.

Alla fine dell’anno di studi, 8 e 9 luglio vedranno il Teatro dell’Opera pieno per il consueto Saggio della Scuola di Danza con gli allievi di Paola Jorio che tengono viva una storia avviata nel 1928.

Dopo la stagione estiva a Caracalla, si riprende a metà ottobre con sei recite dal 15 al 21 del balletto in tre atti Sylvia che si avvale della sublime musica di Léo Delibes.Nelle sei recite riscopriremo la coreografia di Frederick Ashton, il baronetto e danzatore inglese, ripresa da Christopher Newton e da Anna Trevien. Direttore d’orchestra David LaMarche. Allestimento a cura di Menegatti, scene di Roberto Ferri, costumi di Giuseppe Palella. Risplenderanno Aslhey Bouder e Lisa-Maree Cullum.

Balletto alle Terme di Caracalla

Tocca di nuovo al Ballo aprire la stagione estiva il 1° luglio: la scelta è caduta su un titolo che quasi si identifica con la carriera di Carla Fracci. Romeo e Giulietta plasma le note di Sergej Prokof’ev al dramma scespiriano. La coreografia studiata dalla Fracci con l’ausilio di Gillian Witthingham risale a varie fonti: Loris Gai, Rudolf Nureyev nella scena del balcone, Eric Bruhn nella scena dell’addio. Dirige l’orchestra il finnico Jari Hämäläinen. Le scene di Cristian Biasci, i costumi Anna Maria Morelli e la regia di Menegatti creano l’allestimento. Due le coppie di ballerini di sicuro successo: Oksana Kucheruk e Igor Yebra, Gaia Straccamore e Andrian Fadeyev. Sei recite fino al 6 luglio.

Balletto al Teatro Nazionale

Il balletto imprime il suo segno sulla stagione 2010 del Nazionale con otto titoli, quasi tutti novità, sperando che problemi di bilancio e lavori tecnici non privino gli appassionati di un luogo riportato da alcuni anni alla ribalta. Il debutto va dal 3 al 12 febbraio alla Scuola di Danza con il trittico formato da Classica di Sergej Prokof’ev su coreografie di Massimiliano Volpini, Filastrocche con famosi canti popolari italiani e coreografie di Paola Jorio, Graduation Ball di Johann Strauss jr. su coreografie di David Lichine. Nove recite, di cui sette riservate alle scuole.

L’heure exquise, capolavoro di Maurice Béjart realizzato con Carla Fracci (in scena con Micha van Hoecke) ci accompagnerà dal 26 febbraio al 2 marzo, per quattro recite. Ispirato a Giorni felici di Samuel Beckett, portato al Festival Torino Danza 1998, alterna musiche di Mozart e von Webern, di Lehár e Mahler. Al grande francese scomparso due anni fadeve la regia e la coreografia, qui ripresa da Yoko Wakabayashi. Allestimento scenico di Roger Bernard, costumi di Luisa Spinatelli.

Il pianista, compositore e artista visivo Daniele Lombardi è l’artefice di The bad boys of piano: quattro recite (una per le scuole) sulle note di Arthur Vincent Lourié, Franco Casavola e George Antheil che il maestro fiorentino esegue evocando le atmosfere degli “énfants térribles” del secolo scorso, coevi del Futurismo. Coreografie di Ileana Citaristi, Tadashi Endo, Fredy Franzutti, Mario Piazza, Luca Veggetti. Franco Purini disegna l’architettura scenica, Anna Biagiotti i costumi. Carla Fracci si esibirà con Olimpia Carlisi, Ileana Citaristi, Italo Dall’Orto, Tadashi Endo, Massimo Garon e il soprano Susanna Rigacci. Consulenza musicale di Francesco Sodini e regia di Menegatti.

Chopin racconta Chopin è un omaggio al genio polacco nel bicentenario della nascita. La fonte è il romanzo omonimo del pianista e critico Piero Rattalino (ha formato generazioni di allievi) che nella finzione letteraria fa raccontare la sua vita dallo stesso musicista. I cui amori (una connazionale e l’anticonformista scrittrice francese George Sand) ispirano le coreografie di Paul Chalmer, direttore del Balletto di Lipsia. Sei recite dal 26 marzo al 1° aprile (due per le scuole).

Aprile mette sotto pressione di nuovo gli allievi della Scuola di Danza che ripropongono Coppélia, balletto pantomimico di Léo Delibes, dal 13 al 18 in sei recite, quattro per le scuole. La coreografia dalla versione originale di Alicia Alonso e Enrique Martinez è stata riadattata da Ofelia Gonzalez, Pablo Moret e Paola Jorio. Le scene sono di Roberto Laganà Manoli.

Dal 14 al 23 maggio il Corpo di Ballo dell’Opera si cimenta con un altro parto di Beppe Menegatti: I capricci di Marianna. La commedia dello scrittore francese Alfred De Musset (tormentato amante di George Sand al pari di Frederic Chopin) offre lo spunto a un gioco teatrale basato sulle instabili relazioni dei personaggi, alle coreografie di Luciano Cannito, alle scene e ai costumi di Anna Maria Morelli. Mattatrice la prima ballerina Gaia Straccamore, in coppia con Alessandro Riga. Chopin ci mette le musiche da camera, De Musset i testi delle canzoni. Nove recite, la “prima” per le scuole.

Alla figura dello scomodo intellettuale amato dalla Francia del Sessantotto in subbuglio, scomparso in Toscana nel 1993, è dedicato Léo Ferré 24 canzoni in scena dal 29 settembre al 3 ottobre. Poeta, cantautore, compositore, direttore d’orchestra e scrittore, l’anarchico Ferrè creò brani usando testi di Paul Verlaine e Arthur Rimbaud, giganti della lirica della seconda metà dell’800 presi da un legame incandescente, che danno il sottotitolo al balletto curato da Cosimo Manicone e Francesco Sodini. La coreografia è di Luc Bouy, le scene e i costumi sono di Maria Filippi. Danzano Rubinald Pronk ed Erik Underwood. Cinque recite. Nuovo allestimento.

Infine, dal 19 al 25 novembre, Resurrezione: altro omaggio in forma di danza per i cento anni dalla morte di Lev Nikolaevič Tolstoj, al cui ultimo romanzo ci si richiama. Musiche da camera di Pëtr Il’ič Čajkovskij e canzoni su testi di Alexeij Kostantinovič Tolstoj. Coreografia di Fredy Franzutti. Scene e costumi Elena Mannini. Torna Letizia Giuliani, prima ballerina al Maggio Danza, che ha fatto parte della Scuola e poi del Corpo di Ballo del Teatro dell’Opera. Sei recite (una per le scuole) con l’ensemble musicale «Voces intimae». Nuovo allestimento.

Concerti

L’Orchestra del Teatro dell’Opera sarà impegnata nel Concerto del 2 giugno in occasione della Festa della Repubblica. La Giovane Orchestra dell’Opera, ormai rodata da una serie di esibizioni e concerti in sede e fuori, terrà il 30 giugno il suo terzo saggio annuale.

Campagna abbonamenti

Fino al 12 dicembre botteghino aperto per i nuovi abbonati. Dal 15 dicembre in vendita i biglietti degli spettacoli. Con i classici “Gran Teatro”, “Leggero”, “Fantasia”, tre nuovi tipi di abbonamento: “Mini”,“4 You” per under 30 e “Speciali” per aziende e privati. I titoli tra cui scegliere la soluzione preferita sono Falstaff, Mefistofele, Tosca, Madama Butterfly, Manon, Roberto Devereux, Adriana Lecouvreur, Il papapavero rosso, Giselle, Don Chisciotte, Sylvia.

L’UFFICIO STAMPA

Recuperiamo un’Opera!

2009-10-01T18:25:00.002+02:00

Teatro Lirico Turandot
In collaborazione con il M° Silvano Frontalini

Promuove il progetto

“Recuperiamo un’Opera!”

Ci sono Opere che da troppi anni nessuno può ascoltare, perse nei meandri del tempo, obliate da percorsi storici e culturali che ingiustamente le hanno relegate al Silenzio.
Teatro Lirico Turandot, il blog dedicato all’opera lirica, in collaborazione con il Maestro Frontalini si sta adoperando per offrire al pubblico, in anteprima mondiale, un’opera che da oltre un secolo nessun appassionato può ascoltare:

Maruzza
di Pietro Floridia

Come puoi aiutarci?
Contattaci e ti spiegheremo tutto.

L’Opera ha bisogno di TE!

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In questa sezione aggiorneremo di volta in volta la situazione fondi, così che per tutti siano visibili i progressi effettuati, benché a volte possano essere minini. A presto con nuove informazioni.

Intervista al M° Silvano Frontalini

2009-09-27T13:56:00.005+02:00

Pochi giorni fa abbiamo ascoltato il Chatterton di Leoncavallo, diretto dal M° Silvano Frontalini. Dalla recensione pubblicata sulle pagine di Teatro Lirico Turandot il Maestro si è messo in contatto con noi e ne abbiamo approfittato per farci spiegare alcuni aspetti del suo lavoro, dedicato principalmente alla riscoperta di opere da tempo dimenticate dalla produzione di massa.

Ecco a voi la bellissima intervista che il Maetro ci ha concesso.
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Grazie, Maestro, per la sua disponibilità. Siamo giunti a questa intervista attraverso una recensione del Chatterton di Leoncavallo che lei giustamente si è sentito di "ammoridire". Prima delle domande, vorrei fare una precisazione. Ha avuto modo di farmi notare che l'opera di Leoncavallo è stata realizzata dopo tanti anni di silenzio, di assenza dalle scene e dalla produzione discografica. Questo aspetto è stato trascurato nella recensione e invece meritava un approfondimento maggiore. Noi amanti dell'opera vorremmo che tutte le opere venissero riscoperte e offerte all'ascolto di tutti. Qualche anno fa abbiamo riscoperto lo Sly di Wolf-Ferrari, prima grazie a Carreras, poi a Domingo. In questi giorni viene ritrovato un manoscritto perduto del Mercadante, che realizzerà il Maestro Muti. Il suo lavoro con il Chatterton entra in questo filone e proprio per questo le devo un ringraziamento a nome di tutti noi. Chiaro che il prezioso recupero viene prima di tante altre considerazioni e che prima di ogni altro aspetto dovremmo esserle grati per averci permesso di ascoltare quella che a tutti gli effetti è l'opera prima di Ruggiero Leoncavallo.

Veniamo alle domande, ora.

Teatro Lirico Turandot
Nell'inserto del cofanetto abbiamo letto qualche semplice informazione, ma non troppo. Ci racconti lei come è nato questo progetto, il perché della scelta di questa opera, le difficoltà incontrate, magari nel libretto o nella partitura.

M° Silvano Frontalini
La scelta è caduta su Leoncavallo per il mio interesse a riscoprire opere inedite del passato sia sinfoniche che liriche e a una mia proposta all'editore Bongiovanni contenente innumerevoli musiche Lui ha scelto Leoncavallo anche in forza del fatto che ZAZÀ di due anni prima ebbe un discreto risultato di vendite.
Le mie proposte contengono almeno 10-15 brani diversi e l'editore sceglie secondo i suoi criteri.

Nella partitura nessun problema incontrato essendo stata prelevata al conservatorio di BO edita a stampa da TEDESCHI.
ALCUNI PROBLEMI DI COPISTERIA (fatta scrivere tutta a mano dal copista) che inevitabilmente contiene degli errori di scrittura che poi devonsi individuare durante le prove mettendo a dura prova il direttore che la esegue per la prima volta. Ma ciò è una problematica valida in tutte le edizioni di prima esecuzione.

TLT
Parallelamente a questo lavoro discografico il Chatterton è stato anche portato in scena?

M° SF
Purtroppo no. L'ho proposto a varie enti ma nessuno vuole spendere in nuove produzioni se la proposta viene fatta in modo disinteressato se invece fosse fatta da Istituzioni consuete che sono specialiste per elargire proventi quà e là , allora sarebbe molto più facile.
Ma io non appartengo a questo GIRO. Tuttavia sto lavorando per riproporla a fine 2010 in forma di concerto in Polonia, Belgio e Italia.
In forma scenica è possibile se qualche Ente o sponsor mi aiutasse.

TLT
Ci parli degli interpreti. Come è avvenuta la selezione? Partecipare a un progetto come questo potrebbe essere una grande occasione, o sbaglio?

M° SF
Infatti i solisti, proprio in forza della occasione di mettersi in mostra in una produzione discografica di un grande compositore, sono venuti tutti gratis senza nulla percepire (è stato loro rimborsato dall'editore, il costo dei viaggi e soggiorno completo per i giorni necessari) e ciò è molto produttivo perchè chi lavora gratis vuol dire che è interessato alla musica in quanto tale e lavorare ove ognuno si immedesima nel suo ruolo non per danaro ma per interesse culturale è molto meglio di quando si lavora sopratutto per il danaro. Infatti sentiti alcuni solisti appartenenti ad agenzie che operano nei Enti Lirici, hanno avuto il diniego di partecipare malgrado l'interesse positivo del cantante.
Da ciò una ricerca obbligata verso un settore di solisti che contiene ottime voci sconosciute alle agenzie, ma valide musicalmente, quasi una operazione di Talent Scaut verso ogni solista.

TLT
Chatterton è la prima opera di Leoncavallo, scritta quando era giovanissimo. La poca maturità del compositore a tratti si avverte. Lei ha comuqnue recuperato un pezzo importante dell'opera italiana. Come si è posto davanti alla partitura? Ha fatto una versione fedele, (approfittando del fatto che non ci fossero altre interpretazioni a mediare) oppure ha lasciato lo stesso una certa libertà di interpretazione, a se stesso così come agli interpreti?

M° SF
Mi sono abituato a interpretare opere e musiche mai eseguite oggi, la mia produzione discografica con oltre 80 cd è al 80% in prima ripresa mondiale, e ciò è una grande soddisfazione perchè i tempi, la interpretazione, ecc. viene data unicamente da una attenta lettura della partitura che contiene al suo interno la risposta ad ogni problema interprativo, basta saperla leggere bene ed tutto è chiaro.
La mia ambizione, inattuale, e che porterò con me nella tomba, sarebbe quella di registrare anche delle musiche (sia sinfoniche che operistiche) del repertorio comune abituale al solo scopo di rivoluzionare tante consuetudini imperanti nella prassi esecutiva odierna che sono nettamente in contrasto con l'essenza intima di tali musiche che vorrebbero essere realizzate in un certo modo, ma nessuno ha il coraggio di scostarsi dalla tradizione dei più.
Rammento il mio maestro S. CELIBIDACHE quando nel 1978 mi diceva "un direttore deve avere il coraggio anche di modificare la partitura se il tipo di scrittura compositiva lo impone, perchè anche il compositore è un uomo e può sbagliare, per routine, per stanchezza, per fretta ecc.ecc. è sempre la musica che decide come va eseguita e non le abitudini di altri direttori..."

TLT
Quanto tempo ha lavorato a questo progetto?

M° SF
Circa un anno tra reperimento partitura, copisteria, registrazione dell'orchestra, del coro dei solisti, montaggio, missaggio, editing.

TLT
Ci racconti qualcosa dei progetti futuri. Ci saranno altre novità? Qualche altra opera da recuperare?

M° SF
Vorrei recuperare tante altre opere anche già pronte nel cassetto (es. Maruzza di P. Floridia, che fu antagonista di Puccini come successore di Verdi presso la Ricordi) e altre ancora, ma il mercato è in netta contrazione ed il mio solito editore non intende più procedere (almeno per ora) anche perché il mercato dei CD si è notevolmente ridotto dopo la entrata dei DVD. E un editore guarda prima al lato economico.

Io ho fatto tanti tentativi di proporre la mia professionalità per nuove registrazioni a molti altri editori discografici specificando la economicità della operazione (avendo costi bassissimi perché a me interessa fare sopratutto) ma nessuno ha risposto neanche per una fase di trattavia inziale, silenzio assoluto.

Ogni CD nuovo che ho prodotto è come un figlio per me nato in quel momento, e vorrei essere tanto prolifico ma le condizioni economiche degli editori non lo permettono. Né lo stato agevola tali iniziative incentivando le produzioni rare, i recuperi storici,e cc.ecc. Si direbbe che a nessuno interessa nulla di tutto ciò. A volte penso che solo io e voi, come appassionati, e qualche altro, viviamo in un modo virtuale, ma come entriamo in quello reale sono batoste.

TLT
Lasciamo da parte per un momento il lavoro sul Chatterton. Ci parli di lei, Maestro.

M° SF
Io sono solito dire che non è l'interessato che deve parlare di se (sono il migliore, il più competente ecc. ecc.) ma gli altri devono parlare di me se lo riterranno utile e valido. Solo così si conquista un prestigio non effimero. Io spesso agli amici dico di me stesso: "sono un mediocre direttore" perchè consapevole dei traguardi da raggiungere e consapevole del valore dei grandi come Celibidache, Walter, Solti, ecc. Ma subito aggiungo: "però in giro ne ho visti tanti anche negli Enti lirici, di molto peggio di me" (D. Rubboli in una sua recensione affermava dopo la incisione di Chatterton "un direttore poco conosciuto, ma a cui tanti direttori dei ns. teatri lirici non sono degni neanche di girargli le pagine" Sic!
Tuttavia credo che la domanda stia per illustrazione delle cose fatte più che esprimere giudizi di merito.
Sarebbe molto lungo illustrare la mia attività giunto a 60 anni, tuttavia sintetizzo:
Studi musicali con 4 diplomi conseguiti e la cosa di cui vado più fiero, essere stato allievo di S. Celibidache a fine anni 70 e avere avuto da Lui forti incoraggiamenti e apprezzamenti per il "talento italiano innato" a suo dire.
Lo studio della direzione iniziato in conservatorio negli anni '70 era talmente mal fatto che potevamo dirigere solo 5 minuti ogni 2 settimane, il resto tutto teoria. Tant'è che allora feci questo ragionamento, dopo aver constatato che la direzione si apprende quasi solo con la pratica. Mi iscrivo a qualche concorso di direzione (pur essendone, allora, ancora impreparato) e nella prova di selezione ho una orchestra per provare con almeno 30 minuti ossia l'equivalente di 12 settimane di conservatorio ossia di tre mesi. Vi andai (Aidem, Besancon, Ravello, ecc.) consapevole di essere eliminato subito (e così fu) ma almeno avevo lavorato con l'orchestra in modo congruo. Poi iniziai a gestirmi da solo senza entrare nei teatri italiani, la cui porta è chiusa se non si è ben presentati da qualcuno, e mi misi a organizzare tournèe di orchestre dell'est in Italia con lo scopo primario di apprendere la direzione d'orchestra essendo io il manager e direttore.
Un po' come ai vecchi tempi ottocenteschi in cui il musicista era anche manager di se stesso (Mozart, Bottesini, ecc. ecc.). E da allora ho iniziato una ascesa professionale che mi ha dato tante gratificazioni, consapevole che dirigere un Otello alla Scala o in provincia in una piccola cittadina, come differenza vi era solo il lato economico (enorme nella prima, quasi nullo nella seconda) ma in quanto a impegno musicale è il medesimo.
Nel 1983 iniziai la mia collaborazione con l'editore Bongiovanni con il primo LP (sinfonie da opere di G. Spontini) e da allora ho proseguito con l'incisione di oltre 90 CD quasi tutti in prima ripresa mondiale. Ed essere stato il primo direttore su varie composizioni di tanti autori (Busoni, Bellini, Mercadante, Cimarosa, Bottesini, Smareglia, Floridia, Leoncavallo, Ponchielli e per ultimo Catalani di cui proprio in questi giorni è uscita la biografia di P. Petronio in cui cita testualmente: "un particolare ringraziamento va al M° S. Frontalini; è difficile dire quanto debba la cultura musicale italiana a questo maestro, che con le sue preziose registrazioni ha realizzato una autentica riscoperta di tanta parte della musica italiana sinfonica ed operistica dell'800, caduta nell'oblio più assoluto, riscoprendo così anche molte pagine sinfoniche inedite di Catalani [...]. Trieste luglio 2009). Tutto ciò mi ha dato grande soddisfazione, maggiore di un elevato cachet che avrei potuto ottenere nelle istituzioni ufficiali.

Tuttavia siamo in un periodo di crisi della Cultura e in questo ultimo periodo il lavoro è diminuito tantissimo e sto progettando, a mo' di ripresa, di produrre alcune opere rare di Ponchielli e Leoncavallo, nell'ambito dei finanziamenti Europei per la Cultura, ma anche qui se non si è protetti le speranze sono poche.

Ora se mi permette vorrei io fare una domanda a Lei:
Banche, sponsor privati, Fondazioni di ogni genere, si interessano per restaurare opere d'arte, siti archeologici, ecc. perchè non vi fate promotori di inserire in tale settore non solo i monumenti architettonici ma anche quelli musicali/culturali ?
Che differenza fa una chiesa da restaurare o una opera lirica di (ne cito uno a caso) E. Muzio (unico allievo di G. Verdi) che nessuno conosce? Neanche io!! E se Verdi lo ha scelto come unico allievo un motivio di validità vi sarà pure.
Ottenere una sponsorizzazione che ci permetta di proseguire in questa riscoperta di opere del passato, i cui costi se prodotta in forma privatistica (come ho sempre fatto) sono di 7,8 volte inferiori a costi di mercato di una casa discografica istituzionale.

La Sua rivista potrebbe farsi promotorice della iniziativa, (con il mio massimo ausilio di consulenza e collaborazione) bandendo un concorso per i ruoli dell'opera, ecc.ecc. tempo 12-14 mesi ed potrebbe uscire l'opera registrata in CD.Magari riportante nel libretto tutti i nomi di chi ha contribuito a tale riscoperta e credo che non pochi siano gli amanti della lirica, potenzialmente interessati a legare il loro nome a si importante valorizzazione musicale.
E' una sfida!!!!!! (Rispondiamo qui, brevemente: ci pensiamo, le sfide ci piacciono ed è probabile che questa verrà accettata!)

TLT
Il suo compositore preferito? E l'opera?

M° SF
È difficile dire, quasi tutti hanno delle caratteristiche affascinanti, mentre posso dire l'opera che preferisco, Otello di Verdi ed in subordine La Bohème, sa perchè? Quando le dirigo mi vengono (SEMPRE) in certi passaggi i brividi e la pelle d'oca, cosa che non succede o molto raramente con altri titoli.

TLT
Per chiudere, torniamo al Chatterton. Metta in evidenza i punti di forza di questa produzione. Noi la ascolteremo ancora, perché ha un valore che va al di là della singola produzione, ma vogliamo che lei provi a spiegare ad altri ascoltatori cosa troveranno avvicinandosi alla sua realizzazione.

M° SF
I PUNTI DI FORZA SONO la linearietà della composizione, che assume comportamenti ora idilliaci ora drammatici, ora tragici come nella migliore tradizione lirica italiana. Con una scrittura compositiva "classica" ma orientata verso stilemi che poi saranno tipici di Leoncavallo, avendo in seno i germi già per Pagliacci.
La orchestrazione , splendidamente realizzata, e la linea melodica "italiana" che nulla ha da invidiare ad altre opere più blasonate. Si noti l'aria del tenore " Addio tranquillo asil" che basterebbe verificare gli anni di scrittura rispetto a "ADDIO FIORITO ASIL" della Butterfly per dedurre chi è l'ispirato ed l'ispiratore tra Leoncavallo e Puccini. "Tu sola a me rimani" del tenore per individuare tutti i germi del verismo successivo.

TLT
Non ci rimane che ringraziarla ancora una volta per il tempo che ci ha dedicato. Ammiriamo il suo impegno nella riscoperta di opere fuori catalogo e da amanti dell'opera faremo di tutto per spalleggiare iniziative di questo tipo, favorendo, laddove possibile, la migliore visibilità possibile.

Chatterton, R. Leoncavallo (S. Frontalini, Bongiovanni, 2008)

2009-09-25T19:42:00.008+02:00

Titolo Chatterton
Compositore Ruggiero Leoncavallo
Direttore Silvano Frontalini
Etichetta Bongiovanni
Prezzo € 36,90

Chatterton è senza ombra di dubbio un'opera che va ascoltata. Perché? Il motivo principale: è la prima composta da Leoncavallo, sebbene varie vicissitudini l'abbiano messa in ombra per circa 20 anni. E così ci siamo avvicinati all'ascolto di questo prodotto, interessati a diversi aspetti. Un direttore che non è il solito direttore. Lo stesso dicasi per gli interpreti e l'etichetta. Un prodotto fuori dalle solite cose, insomma.

Qualche considerazione sull'opera in generale, innanzi tutto.
Abbiamo detto che è la prima di Leoncavallo. E si sente, c'è da ammetterlo. Anche in questa Opera, come in tante altre occasioni il compositore è anche autore del libretto e dobbiamo ammettere che forse non è proprio il suo forte. Manca qualcosa, e si nota subito. Manca la capacità di rendere poetico qualcosa che magari in prosa funziona bene. E ce ne rendiamo conto nelle melodie, che non riescono a seguire con armonia l'andare del testo. Sembra tutto un po' slegato, come se musica e parole andassero avanti con tempi diversi. Ben diverso il discorso sull'orchestrazione generale, sempre di altissimo livello, con i momenti migliori risevati ai duetti laddove Leoncavallo lascia andare il suo talento e quella vena melodica che lo contraddistingue nei lavori migliori.
La storia è quella che soffre maggiormente. Sembra tutto troppo affrettato. Siamo già dentro il dramma ma quasi non lo viviamo, eppure il testo originale, di Alfred de Vigny è famoso per la sua carica emotiva, per la forte caratterizzazione dei personaggi. Qui manca un po' di tutto questo e la storia è semplicemente raccontata, senza picchi di alta emotività, senza avvolgere l'ascoltatore. Fuori luogo abbiamo trovato la presenza di Henry, il bambino. Poco interessante nello svolgimento della trama, e difficile da rendere (infatti il soprano Enrica Bassano non ha certo brillato con la sua interpretazione).
Sulla qualità, comunque sufficiente nel suo complesso, dobbiamo dire che i tre atti sono molto ben livellati e alla fine questo aiuta ad andare avanti. Un ascolto che non travolge, ma neanche annoia. Si poteva fare di meglio, certo. Ma ricordiamo sempre che è l'opera d'esordio.

Interpreti. Dobbiamo dire che tutti si difendono abbastanza bene e forse aiuta la registrazione in studio. Della Bassano abbiamo già accennato (e specifichiamo che è bravissima, ma solo penalizzata da un ruolo che forse in quest'opera è inserito un po' forzatamente). Buona la prova di Maurizio Zanchetti e Fabrizio Neri, nei ruoli di Giorgio e Lord Klifford, e di Tiziana Scaciga Della Silva nel ruolo di Jenny, mentre nota negativa per Renato Zuin, tenore nei panni del protagonista. Ci è sembrato in difficoltà nell'interpretazione. Tanta voce, certo, ma sempre mal dosata, con poche sfumature e sbalzi improvvisi laddove ci attendevamo curve di crescita più controllate. Da risentire in altre prove, ma bocciato in questa interpretazione, decisamente.

NOn perfette alcune scelte di gestione del volume, con alcune voci che a volte saltano sulle altre e questo in studio si poteva di certo gestire meglio. Non eccelsa la lettura della lettera da parte di Chatterton (ma leggeva Zuin? non si capiva, sembrava una voce elettronica). Il momento più basso di tutta l'opera, forse non per colpa di Leoncavallo, ma del lavoro di postproduzione, senza dubbio.

Libretto. Pochissime informazioni. Un po' di storia del compositore e dell'opera e il testo in due lingue (ma a noi questo poco interessa, dopotutto la versione italiana c'era). Difficile compredere come mai i personaggi che troviamo sul Dizionario dell'opera non coincidano con i nomi del libretto di questa versione. Scelta del compositore? Sì, ma quando? Una di tante versioni? Perché questa scelta? Rimaniamo con decine di dubbi, che nessuno scioglie.

Commento finale.
Opera non eccelsa. Ma ci può stare.
Interpreti non tutti in formissima, ma nel complesso su livelli di sufficienza.
Libretto scarno.
Sembra strano, ma nel complesso non bocciamo del tutto questo prodotto.
Poi pensiamo al prezzo. Quasi 40 euro. E allora qualcosa non torna. In effetti se proprio vogliamo trovare un punto debole è su questo che dobbiamo riflettere. Ottimo il lavoro complessivo del direttore che, abbiamo scoperto in seguito, è molto attento alla riscoperta di opere cadute nell'oblio. Detto questo, e vista la situazione "fondi" italiana, non ci si poteva aspettare un prodotto di prima classe. Le risorse sono state spese bene e così abbiamo potuto ascoltare un'opera che altrimenti sarebbe rimasta persa nel tempo. Un grazie quindi al Maestro Frontalini. Per il futuro chiediamo un piccolo sforzo all'editore, all'etichetta discografica. Il prezzo è troppo spesso l'ago della bilancia. Immaginiamo che molti avranno deciso di non comprare quest'opera proprio perché troppo esosa. Magari con qualcosa di meno il servizio all'Opera sarebbe stato completo. Non è stato così. Rimettendo mano al voto complessivo, diamo una buona sufficienza al prodotto, visto che grazie alla gentilezza del Maestro abbiamo sondato le difficoltà di una tale realizzazione. Alla fine, come ci è stato fatto notare, abbiamo potuto ascoltare il Chatterton. Prima dell'impegno di Silvano Frontalini non sarebbe stato possibile. Quindi, grazie Maestro.

Voto: 6,5

“Pelléas et Mélisande” - Dal 2 al 9 ottobre all’Opera

2009-09-24T15:39:00.001+02:00

Dal 2 al 9 ottobre all’Opera
Debussy torna dopo venticinque anni
con “Pelléas et Mélisande”
capostipite della lirica del Novecento

GIANLUIGI GELMETTI DIRIGE
L’ORCHESTRA E IL CORO DEL TEATRO

Scene dello scultore Anish Kapoor,
regia di Pierre Audi e luci di Jean Kalman

Ritorna dopo cinque lustri a Roma l’opera spartiacque della lirica del ‘900: Pelléas et Mélisande, il titolo chiave del simbolismo, unico dramma musicale completato da Claude Debussy, va in scena dal 2 al 9 ottobre al Teatro dell’Opera. È Gianluigi Gelmetti a dirigere l’Orchestra per un decennio affidata alle sue mani e il Coro preparato da Andrea Giorgi, nella coproduzione che un anno fa ha inaugurato la stagione al Théâtre Royal de la Monnaie di Bruxelles. L’allestimento porta il timbro originale di tre spiccate personalità delle scene mondiali: il regista franco-libanese Pierre Audi, lo scultore anglo-indiano Anish Kapoor e il parigino Jean Kalman, un creatore di luci caro a maestri come Brook, Carsen e Stein. La visione degli spettatori è catturata da un enorme oggetto di colore rosso che cambia posizion e grazie a una piattaforma girevole durante lo svolgimento della storia, moltiplicando sensualità e magia, e da cui entrano ed escono gli interpreti. Il lavoro di Kapoor – Londra gli tributa in questi giorni con una grande mostra retrospettiva l’omaggio dovuto a uno dei più significativi artisti figurativi contemporanei – è un’attrattiva in più per una rappresentazione-evento: Pelléas et Mélisande è stata vista infatti nel tempio capitolino sette volte in un secolo.
Il dramma lirico in cinque atti e dodici quadri debuttò all’Opéra Comique di Parigi il 30 aprile del 1902: fu una recita segnata dall’aspra contestazione sobillata dal commediografo belga Maurice Maeterlinck, il cui omonimo testo in prosa con qualche taglio Debussy trasformò nel libretto, offeso dal rifiuto di scegliere la sua ex compagna come soprano protagonista. Non andò poi molto meglio il 28 marzo del 1909 nella prima esibizione romana al Teatro Costanzi, ricordata per gli schiamazzi continui e i fischi finali. Ma altrove Pelléas et Mélisande era già diventato un titolo acclamato, vincendo l’opposizione dei più fanatici wagneriani.
Patrick Kinmonth cura i costumi. Didier Kerstens collabora alla regia, Agostino Angelini al disegno delle luci. Voci di rango del panorama italiano e internazionale, tra le quali svettano nei tre ruoli principali Monica Bacelli e Nathalie Manfrino, Massimiliano Gagliardo e Jean-Françoise Lapointe, Enzo Capuano e Jean-Philippe Lafont. Sette le recite, in lingua originale con sovratitoli. La “prima” venerdì 2 ottobre alle 20.30 (abbonati turno A), sabato 3 alle 18 (turno D), domenica 4 alle 17 (turno E), martedì 6 (turno B), mercoledì 7 (fuori abbonamento), giovedì 8 (turno C) e venerdì 9 (fuori abbonamento) sempre alle 20.30.
L’UFFICIO STAMPA

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Video: Carmen - Caracalla 2009 (Bizet)

2009-08-10T17:31:00.001+02:00

Una scena bellissima dalla Carmen andata in scena in nei giorni passati presso le terme di Caracalla, Roma. Per approfondimenti potete leggere anche il post precedente a questo, ma per adesso concedetevi qualche minuto d'ascolto.

Agosto 2009: Caracalla tra Tosca e Carmen

2009-08-06T15:36:00.007+02:00

4 agosto: Tosca.
5 agosto: Carmen.

Ho speso così due meravigliose serate romane (tralasciando il bel Trovatore gustato sabato al teatro di Ostia Antica), lasciandomi cullare prima dalla dolce gelosia di Floria Tosca, quindi dalla maliziosa Carmen, in un viaggio nel diciannovesimo secolo, tra suggestioni colme di fascino, a cavallo tra due modi di fare l'opera, quella di George Bizet e l'innovazione Pucciniana.
Caracalla è uno scenario decisamente accattivante, anche se ascoltare l'opera in un teatro è tutt'altra cosa, senza microfoni che gracchiano, senza il vento che spinge le melodie allontanandole scherzosamente, senza gli aereoplani che ogni tanto passano a ricordarti che non sei nell'Ottocento, no.
Per fortuna, però, la musica è sempre quella, una malia che cattura e ti tiene lì, sospeso tra due mondi.
E, sempre per fortuna, quando è il Teatro dell'Opera ha organnizzare eventi del genere, anche gli interpreti sono una garanzia. Non che altrove non si possano trovare cantanti all'altezza. Non che l'organizzazione ogni tanto non tiri qualche brutto scherzo (come la presenza non presenza di Domingo alla direzioni, come la presenza non presenza di Alagna insieme alla moglie Gheorghiu in una Traviata pubblicizzata in ogni dove). Però, di solito, tutto fila liscio. Con buona soddisfazione di noi semplici appassionati, melomani incalliti.
E così mi sono lasciato guidare dalle bellissime voci di Fabio Armiliato, Vittoria Todisco, Giorgio Surian, Elīna Garanča, Valter Borin, Carlo Colombara e tanti altri. E per qualche ora sono stato davvero altrove.
Quale Opera esce vincitrice da questo confronto ravvicinato?
Tosca e Carmen, due donne da amare, due opere da amare. Un pareggio, senz'altro se parliamo di emozioni, se parliamo di melodie, di interpreti.
Stravince la Carmen se ci soffermiamo a consideraioni più banali, ma non trascurabili: la scenografia.
Mi ha deluso, la Tosca, profondamente, con quella mania di modernizzare tutto, di essere trasgressivi a tutti i costi, come se non è altrettanto meraviglioso fare un viaggio nel 1800, così, semplicemete. No, c'è bisogno di strafare, con un minimalismo moderno che mi ha lasciato alquanto perplesso, che non mi ha permesso di essere nella storia, non del tutto, almeno. Fredda e insipida, quella cartina di roma stampata su pannelli inclinati e quei giochi di luce che sembravano sempre troppo poco per dare l'idea di insieme. Ci hanno provato, come per l'Aida di qualche anno fa. Spero che non lo facciano ancora.
Meravigliosa invece la scenografia della Carmen, semplice ma di una raffinatezza incredibie, capace con pochi cambiamenti di trascinare l'ascoltatore ogni volta in un luogo diverso, tra i tavoli di una taverna come tra le montagne o fuori da un'arena. Colore ed eleganza, in grado di accompagnare nel modo migliore quello che Bizet ha pensato come un grande affresco. Godibilissima serata, ottimi interpreti. Con un filo in meno di vento, una serata da lode.
Stasera va in scena il Nabucco, di nuovo a Ostia Antica.
Salto, stavolta, semplicemente per altri impegni. Ma mi sarebbe piaciuto esserci perché il teatro romano è mille volte più affascinante di caracalla, e per struttura e per austica. Un luogo nato per le rappresentazioni, e la differenza si nota.
Per fortuna nella testa ho ancora le melodie di Tosca e Carmen.
Stasera, almeno, mi faranno compagnia.

Turandot: Croce e Delizia dell'Opera italiana (cap. 11)

2009-07-05T17:37:00.002+02:00

11. Arie celebri

Fino a ora abbiamo discusso l’opera nel suo complesso, soffermandoci perlopiù all’analisi dei personaggi e agli espedienti di Puccini per creare l’atmosfera generale. Ma i momenti che rimangono impressi nella memoria generale sono quelli delle grandi arie cantate dai protagonisti principali.
Come abbiamo già avuto modo di dire in Puccini non troviamo le cosiddette cavatine, momenti in cui un personaggio, isolato dal contesto generale si esibiva nel proprio pezzo, ma questi momenti particolarmente melodici sono inseriti in modo organico nel contesto generale dell’opera.
Le arie principali, quelle più famose per l’appunto, sono generalmente interpretate dai protagonisti della storia (non a caso molte di queste sono per tenore e soprano) e a volte può essere significativo fare un’analisi di questo dato per renderci effettivamente conto della particolare importanza data dal compositore al ruolo stesso.
Senza soffermaci ancora a citare Puccini, è possibile menzionare numerose e famosissime arie dei più significativi personaggi dell’opera: «Di quella pira» (Trovatore, Verdi), «Casta diva» (Norma, Bellini), «La donna è mobile» (Rigoletto, Verdi), «Una furtiva lagrima» (L’Elisir d’Amore, Donizetti).
Anche nella Turandot troviamo arie di altissimo livello (e senza alcun dubbio il «nessun dorma» è l’aria più famosa a livello mondiale) e a sottolineare il discorso fin qui portato avanti è interessante notare che i personaggi coinvolti sono sempre gli stessi: Liù, Calaf, Turandot.
La prima aria importante che troviamo è proprio per la voce della piccola Liù, questo a evidenziare ancora una volta il ruolo di particolare importanza ricoperto dalla giovane schiava. Calaf ha deciso di affrontare gli enigmi della principessa. Nessuno riesce a dissuaderlo. Ci prova ancora una vola Liù con una commovente preghiera:

Signore, ascolta! Ah, signore, ascolta!
Liù non regge più, si spezza il cuor!
Ahimè, quanto cammino col tuo nome nell'anima,
col nome tuo sulle labbra!
Ma se il tuo destino doman sarà deciso,
noi morrem sulla strada dell'esilio.
Ei perderà suo figlio, io l'ombra d'un sorriso.
Liù non regge più! Ah!

Una preghiera dolce e malinconica, ancora in ricordo di quel sorriso del suo signore, lontano nel tempo. Ma Calaf è ormai deciso e cerca di alleviare il dolore della giovane, chiedendole di rimanere a fianco del padre, che dopo la sua morte non avrà più nessuno al mondo:

Non piangere, Liù!
Se in un lontano giorno io t'ho sorriso,
per quel sorriso, dolce mia fanciulla, m'ascolta:
il tuo signore sarà domani, forse solo al mondo…
Non lo lasciare, portalo via con te!
[…]
Dell'esilio addolcisci a lui le strade!
Questo, o mia povera Liù,
al tuo piccolo cuore che non cade,
chiede colui che non sorride più!

E il primo atto termina con un intreccio di emozioni cantate a più voci da tutti i personaggi entrati in scena. Un finale maestoso e memorabile quanto un’aria famosa, con gli spettatori senza fiato e travolti dalla potenza emotiva della musica.
Il secondo atto si apre, come precedentemente detto, con il terzetto dei tre ministri, ma il momento cruciale inizia quando entra in scena l’imperatore, con lo splendido coro di giubilo d’accompagno e successivamente quando prende la parola Turandot. Con il modo che la caratterizza, la principessa inizia con un tono freddo, ma un poco alla volta le splendide melodie del suo canto ipnotizzano e la fredda staticità della gelida conquista anche lo spettatore:

In questa reggia, or son mill'anni e mille,
un grido disperato risonò.
E quel grido, traverso stirpe e stirpe
qui nell'anima mia si rifugiò!
Principessa Lou-Ling, ava dolce e serena
che regnavi nel tuo cupo silenzio
in gioia pura, e sfidasti inflessibile e sicura
l'aspro dominio, oggi rivivi in me!
[…]
Pure nel tempo che ciascun ricorda,
fu sgomento e terrore e rombo d'armi.
Il regno vinto! E Lou-Ling,
la mia ava, trascinata da un uomo come te,
come te straniero, là nella notte atroce
dove si spense la sua fresca voce!
[…]
O Principi, che a lunghe carovane
d'ogni parte del mondo qui venite
a gettar la vostra sorte,
io vendico su voi, su voi quella purezza,
quel grido e quella morte!
Mai nessun m'avrà!
L'orror di che l'uccise vivo nel cuor mi sta!
No, no! Mai nessun m'avrà!
Ah, rinasce in me l'orgoglio di tanta purità!
Straniero! Non tentar la fortuna!
Gli enigmi sono tre, la morte è una!

In un crescendo senza fine la principessa arriva al termine della storia e alla sua voce sia affianca il calore esuberante di Calaf:

Gli enigmi sono tre, una è la vita!

I due uniscono le voci e si raggiunge la meraviglia quando insieme ripetono l’ultimo verso, l’una sottolineando l’aspetto macabro, l’altro l’ottimismo.
Gli indovinelli della principessa chiudono in parte il secondo atto. Turandot è sconfitta dall’ignoto straniero, ma non si rassegna. Puccini anticipa a questo punto la sua più celebre aria e lo fa sempre tramite Calaf:

Tre enigmi m'hai proposto, e tre ne sciolsi.
Uno soltanto a te ne proporrò:
Il mio nome non sai. Dimmi il mio nome.
Dimmi il mio nome prima dell'alba, e all'alba morirò

Trionfalmente arriviamo al terzo atto dell’opera. Il momento della trasformazione della principessa è vicino, ma per il momento è ancora intenzionata a scagliare contro il principe ignoto la propria ira. Vuole conoscere il nome dello straniero e ha ordinato che «nessun dorma in Pechino». Tutti devono impegnarsi per scoprire quel nome. Calaf osserva tutto con fare distaccato, sicuro della propria vittoria:

Nessun dorma! Nessun dorma!
Tu pure, o Principessa,
nella tua fredda stanza guardi le stelle
che tremano d'amore e di speranza...
Ma il mio mistero è chiuso in me,
il nome mio nessun saprà!
No, no, sulla tua bocca lo dirò,
quando la luce splenderà…
Ed il mio bacio scioglierà
il silenzio che ti fa mia.
[…]
Dilegua, o notte! Tramontate, stelle!
All'alba vincerò! Vincerò!

E così si procede verso la fine. C’è ancora tempo per splendidi momenti di alta tensione drammatica. Lo spettatore soffrirà per la morte della piccola Liù («Tu che di gel sei cinta, da tanta fiamma vinta, l'amerai anche tu!») e patirà nei momenti finali vedendo crollare la bella principessa, in un susseguirsi di duetti e leitmotiv ricorrenti, fino al finale gioioso, pure questo anomalo e fonte di tante discussioni.

IL SIGNORE DEL CANTO, DI ANDREA FRANCO

2009-05-26T18:55:00.002+02:00

Un romanzo nato dalla passione per la Lirica!

Nel mondo di al’ajis la Magia è ancora molto potente, ed è dominata dal Canto. Sono lontani i tempi in cui maghi di ogni sorta gestivano i poteri arcani per scopi poco nobili.
La Magia è controllata dalle di’erendis, uniche custodi di segreti antichi.
Quando la Signora del Canto, l’eterea Halædris, si rende conto che l’incredibile potere di un ragazzo, Jamis, può sconvolgere le basi di quella rigida società, fa di tutto per ostacolarlo, limitandone le capacità.
Ma l’amore del giovane per la talentuosa di’erendis Èlhear sarà difficile da frenare. Riuscirà Jamis a infrangere la Regola e a raggiungere nuovamente la sua amata, relegata nella zona più segreta della Scuola? Riuscirà il suo potere a infrangere le basi di quella società le cui regole sono dettate dalla Signora del Canto?

Andrea Franco
Il Signore del Canto
Delos Books, 2009
109 pag. € 6,90

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Turandot: Croce e Delizia dell'Opera italiana (cap. 10)

2009-05-22T22:41:00.000+02:00

La trasformazione della principessa Turandot

Più volte parlando dell’ultima opera di Puccini abbiamo sottolineato il fatto che sotto certi aspetti le anomalie e le rotture con la tradizione precedente sono innumerevoli.
In questo capitolo affronteremo un altro elemento che in modo del tutto particolare mette in evidenza un altro aspetto molto singolare della Turandot.
Abbiamo accennato in precedenza alla trasformazione della gelida principessa, e l’abbiamo messa in relazione prima alla piccola Liù, poi ne abbiamo sottolineato la particolare singolarità quando abbiamo detto della forte caratterizzazione del personaggio, così statico, rigidamente sacrale, eppure estremamente repentino nel suo cambiamento finale.
Ebbene, i mutamenti emotivi che coinvolgono la bella principessa possono in qualche modo essere estrapolati dal contesto e messi in evidenza come una trama nella trama.
In effetti, l’evento più marcato che caratterizza l’intera opera è proprio lo sgelamento cui è soggetta la principessa. Se volessimo concentrare la nostra attenzione solo su di lei potremmo osservare un processo che dall’inizio del secondo atto (momento in cui entra realmente in scena Turandot) fino al termine del terzo porta a una totale e graduale (seppur con qualche sbalzo) trasformazione.
Il personaggio da cui è tratta la principessa, e qui ci riferiamo sempre all’originale di Carlo Gozzi, non era ammantato della tragicità della Turandot pucciniana. Per rendere efficace il personaggio il Maestro ha dovuto compiere un lungo lavoro di caratterizzazione. Nel finale dell’opera in parte ha svolto lo stesso processo, però seguendo la via contraria, in modo da restituire alla principessa parte di quell’umanità che aveva sottratto.
Ma per raggiungere l’obiettivo prefissato il compositore non ha lavorato solo sul personaggio. La trasformazione non sarebbe stata così evidente ed efficace se non fosse stata supportata da alcuni elementi significativi sin dall’inizio dell’opera.
Il processo che porta alla progressiva umanizzazione della protagonista è reso evidente da una serie di contrapposizioni che appaiono in modo chiaro sin dall’inizio: tramonto e alba, luna e sole, amore e odio, crudeltà e asservimento. Ma questi opposti si potrebbero contare all’infinito in un’opera come la Turandot: vita e morte, vittoria e sconfitta, freddo e caldo. Tutti questi elementi rendono evidente il contrasto che dilania la stessa principessa, la quale, alla nuova alba, illuminata dalla luce del sole, si scopre umana e ardente d’amore.
Turandot quindi potrebbe essere elevata a trama stessa dell’opera, e in effetti tutto ruota intorno alla sua figura, così statica fisicamente, ma fluida e controversa nell’intimo. Puccini riesce a condurci oltre l’aspetto formale di un personaggio idealizzato e senza banalizzare ci rende partecipi delle sue più intime controversie.
Un lavoro più complesso di quello che può sembrare a un primo ascolto, la Turandot. Un’opera che nasce da una fiaba e che sa portare in alto con efficacia le emozioni più forti e instabili dell’uomo, in una sequenza ininterrotta di trasformazioni e un alternarsi continuo di odio e amore, paura e gioia.

Video: Sì, mi chiamano Mimì (Puccini, La Bohème)

2009-05-16T17:07:00.003+02:00

Continuiamo con un'altra eccezionale interprete, il soprano Angela Gheorghiu.
Che dire: buon ascolto.

Video: Libiamo ne' lieti calici (Verdi, La Traviata)

2009-05-08T21:51:00.002+02:00

Inauguriamo una nuova sezione, in cui proporremo video presi ogni volta da un'opera diversa, spaziando tra interpreti e compositori sempre diversi.

Iniziamo con una delle arie più celebri, il brindisi de La Traviata, con due voci d'eccezione: Netrebko e Villazon. Buon ascolto.

Coppélia, da domani al Teatro Nazionale, Roma

2009-04-17T17:33:00.001+02:00

Da domani a venerdì 24
la Scuola di Danza dell’Opera
con “Coppélia”
torna al Teatro Nazionale

QUATTRO RECITE RISERVATE AGLI STUDENTI
CON IL BALLETTO CAPOLAVORO DI LÉO DELIBES

E domenica prossima alle 19.30 esibizione
sulla piazza del Campiglio per “Natale di Roma 2009”

Il brio, l’umorismo, lo splendore della musica e delle coreografie sono ancora le chiavi del successo di un balletto che dal lontano 1870 non ha smesso di catturare gli spettatori: ecco Coppélia tornare sul palcoscenico del Teatro Nazionale, da domani sabato 18 fino a venerdì 24 aprile, con la verve e la passione delle allieve e degli allievi della Scuola di Danza dell’Opera, sotto lo sguardo affettuoso ed esigente della direttrice Paola Jorio.
Il balletto pantomimico in due atti su musica di Léo Delibes, libretto di Charles Nuitter e di Arthur Saint-Léon debuttò all’Opéra National di Parigi pochi mesi prima che esplodesse la guerra franco-prussiana. Ultimo grande parto della coreografia transalpina dell’Ottocento, si discosta nettamente dalla malinconica tradizione di una Giselle o di una Sylphide, nonostante sia tratto da un racconto (Der Sandmann, L’uomo della sabbia) di E.T.A. Hoffmann, che del romanticismo europeo è uno degli autori più letti e amati. La versione che la Scuola di Danza dell’Opera riporta alla ribalta si basa sulle coreografie originali di Alicia Alonso e Enrique Martinez, riadattate da Ofelia Gonzalez, Pablo Moret e Paola Jorio. Le scene recuperate e riviste per il Teatro Nazionale sono di Roberto Laganà Manoli, la consulenza musicale è di Giuseppe Annese e il disegno luci di Patrizio Maggi.
La “prima” è dunque fissata per domani alle ore 18. Si replica domenica 19 alle 17 e martedì 21, mercoledì 22, giovedì 23 e venerdiì 24 (sempre alle ore 11) per le scuole.
La trama di Coppélia, ovvero La ragazza dagli occhi di smalto. In un paesino galiziano, Swanilda e Franz sono prossimi alle nozze. Ma il giovane si innamora di una fanciulla che ha visto dietro la finestra dell’abitazione di Coppelius, metà fabbricante di giocattoli e metà mago. Swanilda, gelosa, per il Teatro Nazionale si introduce nella casa e scopre che Coppélia è solo una bambola. Ma Coppelius, che crede di esser riuscito a dare vita alla sua bambola, si invaghisce della ragazza. Arriverà comunque il lieto fine.
Domenica prossima 19 aprile alle ore 19.30 venti allieve e allievi dei corsi medi della Scuola di Danza si esibiranno sulla piazza del Campidoglio nell’ambito delle manifestazioni artistiche “Natale di Roma 2009” promosse dal Comune. In programma “La grande mazurka” tratta da “Coppelia.

L’UFFICIO STAMPA

Roma: “Il re nudo”

2009-03-12T17:09:00.002+01:00

Lunedì 16 alle ore 12 all’Opera
conferenza stampa di presentazione
dello spettacolo “Il re nudo”

In scena al Teatro Nazionale dal 20 al 31 marzo
Musica di Luca Lombardi e regia di Dmitry Bertman
Elio è il protagonista, dirige Enrique Mazzola

IN PRIMA MONDIALE
SU COMMISSIONE DEL TEATRO DELL’OPERA
EDIZIONI MUSICALI RAITRADE

Lunedì prossimo 16 marzo alle ore 12 al Teatro dell’Opera si terrà la conferenza stampa di presentazione dello spettacolo Il re nudo che andrà in scena al Teatro Nazionale – in prima mondiale – da venerdì 20 fino a martedì 31 marzo, per un totale di sei recite, con l’Orchestra e il Coro del Teatro dell’Opera.

Opera commissionata dal Teatro dell’Opera, Edizioni Musicali RaiTrade. Divertimento in due atti, musica di Luca Lombardi, libretto di Sandro Cappelletto liberamente ispirato alla pièce omonima di Evgenij Schwarz. Direttore d’orchestra Enrique Mazzola. Maestro del Coro Andrea Giorgi. Regia di Dmitry Bertman. Scene e costumi di Lena Lukjanova. Movimenti mimici di Edvald Smirnov. Disegno luci di Patrizio Maggi.

Tra gli interpreti Elio, Danilo Formaggia, Paolo Coni, Sonia Visentin.

All’incontro con i giornalisti parteciperanno il sovrintendente Francesco Ernani, il direttore artistico Nicola Sani, l’amministratore delegato di RaiTrade Carlo Nardello, Luca Lombardi, Enrique Mazzola, Dmitry Bertman, Sandro Cappelletto, Lena Lukjanova, Edvald Smirnov, Elio e gli altri artisti della compagnia.

L’UFFICIO STAMPA

Ufficio Stampa e Pubbliche Relazioni
tel. 0648160217/228 - fax 064818847
e-mail: ufficiostampa@operaroma.it

“Iphigénie en Aulide” di Gluck

2009-03-06T16:40:00.001+01:00

Martedì 10 marzo alle ore 12
conferenza stampa di presentazione
dello spettacolo
“Iphigénie en Aulide” di Gluck

IN SCENA ALL’OPERA DAL 17 AL 29 MARZO
SUL PODIO RICCARDO MUTI
REGIA, SCENE E COSTUMI DI YANNIS KOKKOS

□ □ □

Lunedì 16 marzo alle ore 12
conferenza stampa di presentazione
dello spettacolo
“Il re nudo” di Luca Lombardi

IN SCENA AL NAZIONALE DAL 20 AL 31 MARZO
DIRIGE ENRIQUE MAZZOLA, REGIA DI DMITRY BERTMAN
PRIMA MONDIALE CON ELIO

Due conferenze stampa al Teatro dell’Opera, nei prossimi giorni, su due appuntamenti clou della stagione 2009.

Martedì prossimo 10 marzo alle 12 nella Sala Grigia del Teatro dell’Opera si terrà la conferenza stampa di presentazione dello spettacolo Iphigénie en Aulide, tragédie opèra con la musica di Christoph Willibald Gluck, che andrà in scena dal 17 al 29 marzo per un totale di sette recite con l’Orchestra e il Coro del Teatro. Sul podio Riccardo Muti. Maestro del Coro Andrea Giorgi. Regia, scene e costumi di Yannis Kokkos. Regista collaboratore Lorenza Cantini. Movimenti coreografici di Marco Berriel. Disegno luci di Gianni Mantovanini. Nuovo allestimento in lingua originale con sovratitoli in italiano.

Lunedì 16 marzo alle 12 nella Sala Grigia del Teatro dell’Opera si terrà la conferenza stampa di presentazione dello spettacolo Il re nudo, divertimento in due atti, con la musica di Luca Lombardi, che andrà in scena dal 20 al 31 marzo al Teatro Nazionale per un totale di sei recite con l’Orchestra e il Coro del Teatro dell’Opera. Direttore Enrique Mazzola. Maestro del Coro Andrea Giorgi. Regia di Dmitry Bertman. Scene e costumi di Lena Lukjanova. Movimenti mimici di Edvald Smirnov. Disegno luci di Patrizio Maggi. Opera commissionata dal Teatro dell’Opera di Roma, per Edizioni Musicali Rai Trade, in prima mondiale assoluta. Tra gli interpreti Elio.

L’UFFICIO STAMPA

Ufficio Stampa e Pubbliche Relazioni
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L'arlesiana, F. Cilea (dir. Arturo Basile)

2008-12-19T22:46:00.005+01:00

Titolo L'Arlesiana
Compositore Francesco Cilea
Etichetta MCPS
Anno 2006
Registrazione 1951
Numero CD 2
Prezzo € 12.90

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Interpreti:
Rosa - Pia Tassinari (mSop)
Federico - Ferruccio Tagliavini (Ten)
Vivetta - Gianna Galli (Sop)
Baldassarre - Paolo Silveri (Bar)
Metifio - Bruno Carmassi (Bar)
Marco - Antonio Zerbini (Bas)
L'innocente - Loretta Di Lelio (mSop)

Orchestra Sinfonia e Coro della RAI di Torino

Direttore: Arturo Basile

ATTENZIONE LIBRETTO NON INCLUSO NELLA CONFEZIONE!

Puccini Discoveries

2008-12-17T19:30:00.005+01:00

Titolo Puccini Discoveries
Compositore Giacomo Puccini
Etichetta Decca
Prezzo € 19,80

Ogni tanto è interessante ascoltare pezzi meno noti, soprattutto di Maestri quali Puccini, per i quali siamo abituati ad ascoltare le opere celebri, dimenticando il resto della produzione.
Questo cd, Puccini Discoveries, diretto da Riccardo Chailly e L'orchestra Sinfonica di Milano "Giuseppe Verdi", ci offre un'opportunità insilita.

Innanzitutto possiamo ascoltare diverse cantate che altrimenti sarebbe difficile trovare ancora: Cessato il suon dell'armi o Inno a Roma. Alcuni pezzi sinfonici o arrangiamenti per bande che talvolta riprendono overture o arie celebri, altre sono del tutto originali. Ma il pezzo si sicuro interesse del cd è il finale composto da Luciano Berio nel 2001 della Turandot, a circa 80 anni da quello del Maestro Alfano.

Più volte si è discusso sugli ultimi minuti dell'ultima opera di Puccini e qui abbiamo un'altra interpretazione, sempre composta sugli appunti del Maestro, ma che scioglie in modo diverso gli ultimi momenti, rendendoli meno solenni e più riflessivi. Forse come avrebbe fatto lo stesso puccini? Questo non è dato saperlo, ma per gli amanti della Turandot un pezzo immancabile.

Noi riteniamo che qualcosa non quadri nell'interpretazione di Berio anche se alcunui passi godono della stessa elegante maestosità della versione di Alfano. Se gli ultimi 30 secondi della versione più nota lasciano qualche dubbio questa non è riuscita a darci una soluzione alternativa soddisfacente, anche se di sicuro interesse per poter fare un paragone diverso e aprire nuovi scenari sulla poetica pucciniana.

Un cd che noi riteniamo imperdibile.
Anomalo, e bello proprio per questo.
Da ascoltare nota per nota.

Voto: 8,5

Roma: prova generale di “Otello” aperta al pubblico

2008-11-07T16:16:00.002+01:00

Comunicato stampa
del 7 novembre 2008

Sarà aperta al pubblico
giovedì 4 dicembre
la prova generale di “Otello”
diretto da Riccardo Muti

Serata dedicata alla raccolta di fondi
per i vent’anni dell’associazione Anlaids-Lazio

I BIGLIETTI IN VENDITA DA MARTEDÌ 11 NOVEMBRE
AGLI STESSI PREZZI DELLE RECITE TUTTE ESAURITE

La prova generale di “Otello” di Giuseppe Verdi che si terrà giovedì 4 dicembre alle ore 20.30 al Teatro dell’Opera – e che vedrà sul podio Riccardo Muti – sarà aperta al pubblico.

La serata sarà destinata a una raccolta di fondi a sostegno delle attività dell’associazione ANLAIDS Lazio, impegnata da vent’anni nella prevenzione e nell’informazione sull’infezione da Hiv.

I prezzi dei biglietti per la prova generale saranno gli stessi (dai 17 ai 130 euro) fissati per le cinque recite dello spettacolo con l’Orchestra e il Coro del Teatro che si svolgeranno dal 6 al 14 dicembre e per le quali da mesi si è registrato il tutto esaurito.

Il nuovo allestimento in coproduzione con il Festival di Salisburgo. Maestro concertatore e direttore Riccardo Muti (è il suo esordio al Teatro dell’Opera di Roma). Maestro del Coro Andrea Giorgi. Regia di Stephen Landgridge. Scene di George Souglines. Costumi di Emma Ryott. Gli interpreti principali sono Aleksandrs Antonenko, Marina Poplavskaya, Giovanni Meoni e Giovanni Battista Parodi.

La Biglietteria del Teatro dell’Opera metterà in vendita i biglietti per la prova generale “aperta” dal prossimo martedì 11 novembre, secondo il consueto orario di apertura (dal martedì al sabato dalle ore 9 alle 17, la domenica dalle 9 alle 13.30, lunedì chiuso).

“La somnambule” di Ferdinand Hérold

2008-11-05T22:41:00.000+01:00

Da sabato 8 a venerdì 14 novembre
al Teatro Nazionale si danza
“La somnambule” di Ferdinand Hérold

Beppe Menegatti e Luciano Cannito
ricostruiscono un balletto preromantico

CON L’ORCHESTRA E IL CORPO DI BALLO DEL TEATRO
GIUSEPPE PICONE E ALESSANDRO RIGA
GAIA STRACCAMORE NEL RUOLO DELLA PROTAGONISTA

Dalle sapienti mani della coppia Fracci-Menegatti spunta un altro gioiello dimenticato della danza protomantica. Va in scena sabato prossimo 8 novembre alle 20.30 al Teatro Nazionale (con cinque repliche fino a venerdì 14) La somnambule, ou L’arrivée d’un nouveau seigneur. È il balletto in tre atti che registrò un successo così clamoroso all’Opéra di Parigi, il 19 settembre del 1827, da indurre Vincenzo Bellini a ispirarsi a quella trama agreste per creare quattro anni dopo il suo capolavoro omonino. A Eugène Scribe e Jean-Pierre Aumer si deve la stesura del libretto, mentre la musica la scrisse il prolifico operista Ferdinand Hérold, attivissimo al Théâtre Italien e all’Opéra Comique della capitale francese, che aveva a lungo soggiornato tra Roma e Napoli, tra Milano e Venezia. Ma dell’allestimento iniziale, come dei successivi , non esistono tracce né scritte né orali. Il coreografo Luciano Cannito ha scelto di dare al balletto un profumo da opera buffa, saldando per un certo verso i conti con il mondo della lirica, che tanto vi aveva attinto.
Con l’Orchestra e il Corpo di Ballo del Teatro dell’Opera vedremo così una rivistazione nuova di zecca, tuttavia fedele alla drammaturgia originale. Sul podio il maestro Benedetto Montebello, che ha curato un’innovativa trascrizione della partitura per piccola orchestra. La regia è affidata a Beppe Menegatti. Le scene e i costumi sono di Elena Puliti. La storia è ambientata in Provenza e precorre l’atmosfera di Giselle, balletto romantico per antonomasia. Alessandro Riga, Giuseppe Picone, Gaia Straccamore si alternano con Claudio Cocino, Damiano Mongelli e Kristine Saso nei rispettivi ruoli del giovane contadino Edmond, del signorotto de Saint-Rambert e dell’orfana Thérèse. La giovane, promessa sposa a Edmond, si ritrova ripudiata per colpa del proprio sonnambulismo e di un fatale scialle lasciato nella stanza dell’altro dalla sua rivale in amore Gertrude (l&rsqu o;interpreta Catia Passeri). Ma sarà l’ennesimo episodio di sonnambulismo in bilico su un precipizio, in cui rischia la vita, a far capire a tutti il malinteso e a schiudere il lieto fine.
Sei gli spettacoli al Teatro Nazionale (via del Viminale, angolo via Depretis). “Prima” sabato 8 alle 20.30. Repliche domenica 9 alle 16.30, martedì 11 alle 20.30, mercoledì 12 e giovedi 13 sempre alle ore 11 per le scuole, infine venerdì 14 novembre alle 20.30.

L’UFFICIO STAMPA

Biglietteria
Piazza Beniamino Gigli n° 1 tel. 06 481 70 03 - fax 06 488 17 55
Apertura: dal martedì al sabato dalle 9 alle 17; domenica dalle 9 alle 13.30, lunedì chiuso.
Sempre aperta da un’ora prima di ogni spettacolo nel Teatro dove si effettua la rappresentazione.

Prezzo dei biglietti: € 20,00

La vendita dei biglietti avviene anche in tutti gli usuali punti di prevendita.

Prevendite telefoniche con carta di credito hellòticket numero verde 800 90 70 80

da cellulari e dall’estero 0039 06 48078400
su INTERNET www.operaroma.it - www.amitsrl.com - www.helloticket.it

Riduzioni
CRAL e Associazioni culturali (minimo 10 persone): riduzione 20%.
Anziani oltre i 65 anni, giovani fino a 25 anni e studenti: riduzione 30%.

tel. 06 481 75 17 – fax 06 481 60 219
promozione.pubblico@operaroma.it

www.operaroma.it
tel. 06 481 601

Teatro dell'Opera di Roma: Amica di Mascagni

2008-10-06T20:50:00.000+02:00

Comunicato stampa
del 6 ottobre 2008

“Amica” di Pietro Mascagni
da domani a domenica
con l’Orchestra e con il Coro
del Teatro dell’Opera

Il soprano Amarilli Nizza è la protagonista
Dirige il maestro Antonino Fogliani

COPRODUZIONE CON L’OPÉRA DI MONTECARLO
E CON IL TEATRO GOLDONI DI LIVORNO

Ascendenze di Wagner, echi di Mahler, influssi di Ravel. Va ben oltre l’etichetta verista, la musica ora tenue ora febbrile del titolo forse meno eseguito di Pietro Mascagni, il breve dramma lirico in due atti Amica, che andrà in scena da domani martedì 7 fino a domenica 12 ottobre, per sei recite. È questa la lettura suggerita da Antonino Fogliani, uno dei più giovani maestri italiani, che dirigerà nell’occasione l’Orchestra e il Coro del Teatro dell’Opera. La tragica passione d’amore della sua protagonista, di ambientazione pastorale, ritorna in un luogo dove è già risuonata nel lontano 13 maggio 1905, quando fu eseguita per la prima volta nella versione in italiano, con lo stesso autore sul podio. Ora viene riproposta in lingua originale (francese) con traduzione sovratitolata. Il nuovo allestimento è una coproduzione con l’Opéra di Montecarlo e il Teatro Carlo Goldoni di Livorno.
Il Coro è stato preparato da Andrea Giorgi. Il direttore dell’Opéra Jean Louis Grinda firma la regia, Rudy Sabounghi le scene, Teresa Acone i costumi, Laurent Castaingt il disegno luci. Otto le voci del cast. Il soprano Amarilli Nizza, appena applaudita come Butterfly durante la stagione estiva alle Terme di Caracalla, interpreta Amica alternandosi con Patrizia Orciani. Lo spagnolo Enrique Ferrer e Maurizio Comencini vestono i panni di Giorgio, il personaggio che vorrebbe sposare la fanciulla; Alberto Mastromarino e Angelo Veccia quelli di Rinaldo, con cui l’inquieta eroina si dà invece alla fuga, prima di precipitarsi in un burrone. Marcello Lippi è Padron Camoine invaghito di Maddalena cui dà voce Lucia Mastromarino.
Ecco il dettaglio dei sei spettacoli: martedì 7 alle 20.30 (turno A), mercoledì 8 (turno B) e giovedì 9 (turno C) e venerdì 10 (fuori abbonamento) sempre nello stesso orario, sabato 11 alle 18 (turno D) e domenica 12 alle 17 (turno E).

L’UFFICIO STAMPA

Biglietteria
Piazza Beniamino Gigli n° 1 tel. 06 481 70 03 - fax 06 488 17 55
Apertura: dal martedì al sabato dalle 9 alle 17; domenica dalle 9 alle 13.30; lunedì chiuso.
Sempre aperta da un’ora prima di ogni spettacolo nel Teatro dove si effettua la rappresentazione.
Prezzi dei biglietti: da €17,00 a€ 130,00
La vendita dei biglietti avviene anche presso tutti gli usuali punti di prevendita.
Prevendite telefoniche con carta di credito hellòticket numero verde 800907080
da cellulari e dall’estero 0039 06 48078400
su INTERNET www.amitsrl.com - www. helloticket.it

Servizio Promozione Pubblico
CRAL e Associazioni culturali (minimo 10 persone): riduzione 20%. Anziani oltre i 65 anni,
giovani fino a 25 anni e studenti: riduzione 30%.
Sono escluse da tali riduzioni le prime e i posti in balconata e in galleria al Teatro dell’Opera.
tel. 06 481 75 17 – fax 06 481 60 219
promozione.pubblico@operaroma.it

Teatro dell'Opera di Roma: Comunicato stampa del 4 ottobre 2008

2008-10-04T14:24:00.003+02:00

Comunicato stampa
del 4 ottobre 2008

Dalla “Settima” di Beethoven
al “Bolero” di Ravel
Lunedì 6 ottobre al Teatro dell’Opera
il maestro Gelmetti dirige
la Sydney Symphony Orchestra

La Settima Sinfonia di Beethoven e tre brani di Ravel: Alborada del gracioso, Pavane pour une infante défunte e il celeberrimo Bolero: ecco il programma del concerto che la Sydney Symphony eseguirà lunedì prossimo 6 ottobre, alle ore 20.30, al Teatro dell’Opera. Una tappa di particolare rilievo nella sua prima tournée italiana cominciata il 29 settembre a Merano che si concluderà il 9 a Verona, dopo aver toccato Milano, Torino, Siena, Caserta e Modena. Sul podio ci sarà Gianluigi Gelmetti, direttore musicale dell’Opera di Roma, che ha voluto questo “Italy Tour 08”. Dopo un decennale rapporto con l’orchestra australiana da direttore ospite, dal 2004 il maestro ne è diventato il direttore principale e direttore artistico. La guiderà nell’occasione (prima di lasciarla a dicembre) nel “suo” Teatro della “sua&rd quo; città.
La Sydney Symphony è stata fondata nel 1932 ed è composta da novantadue musicisti. La serata romana sarà aperta dalla Settima Sinfonia in la magg. op. 92 che Ludwig van Beethoven compose nel 1812, mentre Napoleone preparava la guerra alla Russia, ed è un canto felice di fede nella vita. Fu eseguita per la prima volta, diretta dallo stesso autore, l’8 e il 12 dicembre 1813 nell’aula magna dell’università di Vienna.
Tre i brani in scaletta di Joseph-Maurice Ravel. Alborada del gracioso, con le sue note stravanganti, fu scritta inizialmente per pianoforte e comparve nel 1905 in una serie intitolata Miroirs. La dolente Pavane pour une infante défunte si richiama a un’antica forma di danza diffusa nella Spagna del sedicesimo-diciassettesimo secolo e rappresenta il primo lavoro che dette notorietà a Ravel. Bolero è il lungo crescendo che gli ha consegnato la fama.
L’UFFICIO STAMPA

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Apertura: dal martedì al sabato dalle 9 alle 17; domenica dalle 9 alle 13.30, lunedì chiuso.
Sempre aperta da un’ora prima di ogni spettacolo nel Teatro dove si effettua la rappresentazione.
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TEATRO “GIUSEPPE BORGATTI” - Cento (Fe) - Progamma sett. 2008

2008-08-28T21:44:00.004+02:00

Era un po' che non pubblicavamo notizie su eventi vari, ma non vogliamo lasciarvi senza informazioni gustose, quindi ecco una news che abbiamo pescato su Teatro.Org e che riportiamo qui sotto per tutti gli appassionati...

TEATRO “GIUSEPPE BORGATTI” CENTRO POLIFUNZIONALE PANDURERA - Cento (Fe) telefono: 051.6858911 - fax 051.6858912 www.teatroborgatti.it, www.pandurera.it, info@teatroborgatti.it, info@pandurera.it

Sabato 6 settembre 2008 - dalle ore 20.00
Teatro Giuseppe Borgatti
In occasione della Notte Bianca, apertura del Teatro Giuseppe Borgatti e delle relative aree museali (Museo Giuseppe Borgatti, Museo Arrigo Tassinari ed area espositiva strumenti musicali Luigi Mozzani). Ingresso libero

Sabato 6 settembre 2008
Teatro Giuseppe Borgatti
Inaugurazione della mostra “Genuzio Carletti, liutaio in Pieve e Cento”
Esposizione di strumenti e documenti, presentazione di pubblicazione con note sulla vita e l’opera, a cura di Giovanni Intellisano. A seguire, concerto del Trio d’Archi, Cristina Alberti e Alessandro Fattori- violino e Giulia Costa- Violoncello. Gli strumenti musicali saranno esposti al pubblico da sabato 6 a domenica 28 settembre 2008 nei seguenti giorni e orari: ogni venerdì, sabato e domenica dalle 9.30 alle 12.00 e dalle 16.00 alle 19.00. Ingresso libero.

Giovedì 11 settembre 2008 - ore 20.30
Teatro Giuseppe Borgatti
Proiezione dell’opera lirica “Bohème” di Giacomo Puccini
Metropolitan Opera - New York - con Luciano Pavarotti.
Direttore d’orchestra: James Levine. Ingresso libero

Venerdì 12 settembre 2008 - ore 18
Teatro Giuseppe Borgatti
Incontro pubblico di presentazione della stagione teatrale 2008/2009 della Fondazione Teatro G. Borgatti. Ingresso libero

Venerdì 12 settembre 2008 - ore 20.30
Teatro Giuseppe Borgatti
Proiezione dell’opera lirica “Tosca”di Giacomo Puccini
Metropolitan Opera -New York - con Placido Domingo
Direttore d’orchestra: Giuseppe Sinopoli.

Venerdì 12 settembre 2008 - ore 21.00
Centro Polifunzionale Pandurera
Conferenza sul tema “Costituzione e Giustizia”, a cura del Procuratore Giancarlo Caselli. Ingresso libero.

Sabato 13 settembre 2008 - ore 20.30
Teatro Giuseppe Borgatti
Proiezione dell’opera lirica “La Fanciulla del West”di Giacomo Puccini
Metropolitan Opera - New York-con Placido Domingo
Direttore d’orchestra: Leonard Slatkin

Domenica 14 settembre 2008 - ore 17.00
Teatro Giuseppe Borgatti
Proiezione dell’opera lirica “Turandot”di Giacomo Puccini
Metropolitan Opera - New York - con Placido Domingo
Direttore d’orchestra: James Levine

Mercoledì 17 settembre 2008 - ore 21.00
Auditorium Callisto Govoni c/o Centro Polifunzionale Pandurera
“Anfitrione” di Plauto. Commedia brillante realizzata dal Teatro Giuseppe Borgatti in collaborazione con gli Istituti scolastici: Liceo Ginnasio Statale “G. Cevolani” e l’IPSIA “F.lli Taddia” di Cento.
Ingresso libero

Sabato 20 settembre 2008 - ore 21.00
Auditorium Callisto Govoni c/o Centro Polifunzionale Pandurera
Premiazione del concorso Passione Teatro ed esibizione dei vincitori della passata edizione: “Gli Artisti del sabato”, in scena con la commedia brillante. “Fuori dalle Rotte”. Ingresso libero

Domenica 21 settembre 2008 - ore 21.00
Teatro Giuseppe Borgatti
I Commedianti della Pieve presentano “Rumors”, commedia brillante di Neil Simon, regia Nedda Alberghini Po. Ingresso Euro 10,00
Il ricavato sarà devoluto in beneficienza all’ass. Alzaimer “Francesco Mazzuca” Onlus

Sabato 27 settembre 2008 - ore 20.30
Teatro Giuseppe Borgatti
Saggio della Scuola di Danza “The Cat Theatre Company”. Ingresso a pagamento. Pper informazioni: 335/8296176.

Domenica 28 settembre 2008 - ore 17.00
Teatro Giuseppe Borgatti
Saggio della Scuola di Danza “The Cat Theatre Company”. Ingresso a pagamento. Per informazioni: 335/8296176.

Turandot: Croce e Delizia dell'Opera italiana (cap. 9)

2008-08-25T16:38:00.002+02:00

L'atmofera delle Turandot

Abbiamo già discusso abbondantemente dei personaggi e dell’ambientazione della Turandot, ma se è vero che la storia avviene in una fiabesca Pechino, è anche vero che si deve respirare una reale atmosfera orientale in modo da poter aprire il nostro animo a una non meglio precisata realtà esotica.
Come abbiamo già avuto modo di anticipare nei primi capitoli Puccini riesce a rielaborare alcune melodie tipiche dell’oriente e a farle parte integrante della sua opera. Ma se a volte è facile individuare queste melodie altre volte dobbiamo accontentarci di assorbire l’esotismo attraverso gli espedienti musicali proposti dal compositore, capace di creare con la musica atmosfere così particolari da sembrare veramente appartenenti a un’altra cultura.
Una volta che Puccini ci ha accompagnato dentro questa particolare realtà esotica rimane difficile alienarsi da tale mondo e avvertirne la lontananza.
Ogni opera di Giacomo Puccini è frutto di una continuità melodica che cattura l’ascoltatore dalla prima nota e lo lascia solo al termine dell’atto, concedendo solo alla fine un breve momento di distacco. Una vibrazione continua capace di ipnotizzare chiunque sia all’ascolto, immergendolo a fondo nel mondo creato per lui.
Le varie melodie si susseguono senza soluzione di continuità in un alternarsi fluido di alti e bassi, ma senza sciogliere, neppure nei momenti di minore intensità strumentale, il legame particolare creato con lo spettatore.
Non ci sono chiuse nette, come già anticipato quando parlavamo di Verdi, e una volta trovato il registro adeguato il maestro riesce tenere in vita l’effetto creato, concedendosi una chiusa a effetto solo nel finale.
Ma la componente musicale da sola non può supportare un intero impianto intento a ricreare un esotismo così ben marcato, non in un’opera lirica, almeno.
È a questo punto che intervengono personaggi chiave che danno spessore sia alla narrazione che colore all’ambientazione. I protagonisti di questo effetto orientale sono perlopiù i tre ministri: Ping, Pang e Pong.
Già abbiamo detto di come possano risultare strani i nomi di questi ultimi e abbiamo sottolineato il fatto che sostituiscono personaggi tipici della cultura italiana quali Tartaglia, Pantalone, Truffaldino e Brighella. Nella trasposizione in opera lirica il loro numero è ridotto a tre e i nomi scelti servono a garantire quel carattere orientale che poteva dare una maggiore resa esotica.
Inoltre, ai tre ministri viene associata la maggior parte delle melodie originali cinesi in modo che l’effetto non sia conseguenza solo del loro nome.
Durante il primo atto appare poco evidente questa caratterizzazione musicale, ma all’apertura del secondo atto ci rendiamo conto che Puccini ci sta un poco alla volta immergendo in quel fantastico mondo immaginario.
I tre ministri descrivono la loro vita con nostalgiche melodie e si abbandonano ai ricordi di un’esistenza più felice. Forse per la prima volta ci rendiamo conto dell’ambientazione orientale. Infatti nel primo atto le emozioni si susseguono a tale ritmo e con tale intensità che l’ascoltatore viene trascinato inconsapevole verso l’esplosivo finale. È solo con il secondo atto, prima che il rito inizi, che abbiamo qualche minuto per allentare la tensione e riflettere.
Nella Turandot ogni personaggio gioca un ruolo ben preciso e nulla è lasciato al caso. In questo modo quelli che nel primo atto sembravano i ministri della morte ora ci appaiono sotto una luce diversa, più morbida e umana. Insieme alla piccola Liù riescono a creare intorno ai due personaggi principali una specie di morbido cuscinetto e ammortizzano i duri contrasti emotivi dei due protagonisti.
Non raggiungono il coinvolgimento né lo spessore emotivo della schiava Liù, ma senza il loro intervento l’atmosfera dell’intera opera risulterebbe più opaca e meno efficace.
In una storia ambientata in una realtà fiabesca è importante che l’ascoltatore possa percepire in modo evidente la lontananza e il distacco dal proprio mondo. Solo così è possibile accettare tutte le incongruenze che inevitabilmente si presentano (come già accennato, per esempio, riguardo al carattere stereotipato di Calaf e la principessa) e allo stesso tempo sentirsi partecipi delle vicende.
Ping, Pang e Pong quindi, oltre a svolgere un importante ruolo di collegamento tra le varie parti, come la stessa Liù, danno un significativo colore esotico all’ambientazione, ricoprendo un ruolo indispensabile per l’intera struttura dell’opera.

"La Mosca" arriva a teatro

2008-07-04T13:43:00.005+02:00

Abbiamo già parlato qualche tempo fa di una trasposizione celebre (era 1984 di Orwell, portata a teatro da Maazel) ed eccoci di nuovo. Infatti proprio in questi giorni è possibile assistere (allo Chatelet di Parigi) alla rappresentazione lirica de "La mosca", celebre film di David Cronemberg del 1987 (fino al 13 luglio). Lo stesso regista ha curato molti aspetti dell'opera, coadiuvato dal sempre attivo e intraprendente Placido Domingo.

Sembra sia uno spettacolo rivoluzionario e ricco di colpi di scena, con interpreti (e questo ultimamente non è una novità) che si esibiscono anche nudi.
Il ruolo del protagonista Seth Brundle è interpretato alternativamente da Daniel Okulitch e Laurent Alvaro, mentre nei panni della coprotagonista femminile, Veronica, c'è Ruxandra Donose.

Per maggiori informazioni vi rimandiamo comunque alla notizia del tgcom.

Non rimane che augurarvi buon ascolto e sperare che presto si possa apprezzare qualcosa di nuovo e interessante anche qui da noi, in Italia.

Turandot: Croce e Delizia dell'Opera italiana (cap. 8)

2008-06-14T19:55:00.003+02:00

La piccola Liù, fulcro dell'opera

Dopo tanto parlare siamo finalmente giunti al personaggio chiave di tutta l’opera, non a caso il più caro allo stesso Giacomo Puccini.
Fino a questo momento abbiamo presentato il fantastico mondo della Pechino pucciniana in modo che apparisse evidente il carattere fiabesco dell’opera, a partire dalle origini teatrali del Gozzi, fino a quello stereotipato dei personaggi, così incentrati su pochi sentimenti, soprattutto amore e odio, ma così incredibilmente focosi e vivi.
Tutto questo caratterizzare in modo netto non avrebbe lo stesso risultato drammatico se a riequilibrare il tutto non intervenisse un personaggio più “umano”, quale è la piccola Liù.
Insieme al padre di Calaf, Timur, e all’imperatore, Altoum, i quali ricoprono un ruolo nettamente secondario, è l’unica che cerca di portare razionalità e buon senso laddove sembra ci sia solo follia rabbiosa.
Se ci fermiamo a riflettere sul personaggio del principe ignoto ci rendiamo subito conto di quanto sia improbabile un amore come il suo, nato all’istante e già pronto a sacrificarsi nella morte. La storia ci coinvolge e la finzione, della quale siamo sempre consapevoli nonostante la completa immersione nell’opera, stempera i nostri dubbi. Il sacrificio al quale si presta Calaf sembra la normale conseguenza del suo ardore.
Altrettanto possiamo dire della principessa di morte, la crudele Turandot, così immersa nel suo ruolo di atroce mietitrice che fa apparire improbabile e remota la possibilità di un lieto fine.
In mezzo a questi eccessi spicca la dolcezza passionale e l’umanità di una schiava, di nascita e d’amore, legata a un gesto semplice e spontaneo: un sorriso.
È Liù che lega i due protagonisti di questa inverosimile storia d’amore, dapprima cercando di salvare la vita del proprio padrone, poi trovando le parole giuste per fronteggiare colei che tutti temevano, in una commovente e lacrimevole spiegazione sul significato dell’amore.
Non è un caso che in passato molti dei più grandi soprano abbiano deciso di interpretare Liù anziché Turandot. Un personaggio di sicuro più coinvolgente e umano che permette anche una vasta possibilità di sfumature e che non può non coinvolgere lo spettatore.
Un personaggio di colore, da primadonna.
Ma a parte la particolarità del ruolo in quanto veicolo d’emozioni, il personaggio di Liù è, insieme a Calaf e in parte ai tre ministri, quello che teatralmente ha la parte più sviluppata, in contrapposizione alla staticità della principessa che in qualche maniera vuole rappresentare anche l’immobilità di sentimenti.
Un personaggio completo che reclama quindi un ruolo di assoluto protagonismo. Senza la piccola Liù non sarebbe esistita l’affascinante atmosfera dell’altrimenti fatiscente Pechino e il lavoro di Puccini non avrebbe trovato quegli sbocchi drammatici che la caratterizzano così intensamente.
Più volte vediamo il principe Calaf esporre il suo lato più umano proprio in contrapposizione al sincero e disinteressato amore della schiava. Nel primo atto quando con tenera passione chiede alla donna di rimanere al fianco del vecchio padre, solo sulla strada dell’esilio, e nel momento drammatico della morte di lei, allorché per la prima volta il principe inveisce contro gli artefici di quelle sofferenze, minacciando atroce vendetta.
La stessa Turandot rimane colpita dal modo in cui la donna affronta le sofferenze imposte dall’amore e per la prima volta emerge il dubbio in una donna che mai aveva saputo guardare dentro di sé. In punto di morte è Liù che assesta il primo colpo alle certezze della principessa, facendola vacillare.
Liù può a tutti gli effetti essere definita il fulcro della Turandot, la forza motrice dell’intera opera.
Possiamo comprendere allora perché lo stesso compositore avesse un debole per questo meraviglioso personaggio. Puccini ha caratterizzato sempre personalità dalle tinte molto forti, passionali e coinvolgenti. La piccola Liù è forse il personaggio che risalta maggiormente, sia per le proprie qualità intrinseche, sia per il mondo nel quale è proiettato, che ne favorisce e amplifica lo splendore.
Liù quindi, nonostante l’aggettivo con il quale la si apostrofa, non è piccola, ma superbamente grande.
Un personaggio immenso.

Adriana Lecouvreur, F. Cilea (R. Bonynge, Decca, 1990)

2008-06-02T11:47:00.006+02:00

Compositore: Francesco Cilea
Libretto: Arturo Colautti
Fonte: commedia-dramma di E. Scribè e E. Legouvè
Direttore: Richard Bonynge
Interpreti: Joan Sutherland (Adriana), Carlo Bergonzi (Maurizio), Francesco Ellero d'Artegna (Il principe), Cleopatra Ciurca (La principessa), Leo Nucci (Michonnet), Michel Sénèchal (L'abate).

Ci sono compositori e opere che, soprattutto se sei un novizio, proprio non conosci. Accadde a me di incontrare questa opera quando ancora di lirica non avevo conosciuto nulla (se non La Traviata e un altro paio) e di acquistare il cofanetto solo perché all'epoca ero ingordo di tutto ciò che ignoravo in campo operistico, quindi di ogni cosa.
L'Adriana Lecouvreur di Francesco Cilea mi ha sorpreso dal primo ascolto, così romantica, armonica, così capace di trasportarti... se c'è qualche motivetto che ogni tanto canto soprappensiero è proprio una frase d'archi del primo atto, così intensa e diretta (peccato che qui non sappia mettere un file per l'ascolto, altrimenti ve ne darei la prova...).
Che dire di questo cofanetto in particolare. La Decca di solito non delude mai e anche questa opera è rappresentata al meglio a partire dal direttore Bonynge, un veterano dell'opera, per continuare con i magnifici interpreti: la Sutherland forse non è più una giovincella, ma ha ancora l'eleganza e la bravura per non sfigurare in un ruolo così passionale e delicato; bravissimo Bergonzi in un'interpretazione forte e vigorosa (molto meglio del Peter Dvorsky che ho apprezzato in una versione DVD, ma poi ne riparleremo); e ancora una volta la ciliegina sulla torta è uno stratosferico Leo Nucci nel ruolo chiave di Michonnet, il personaggio che lega la storia e in qualche modo ci introduce nel mondo della splendida Lecouvreur. Un trittico ben assortito, accompagnato da altri protagonisti di primo piano.

Di sicuro, dovendo consigliare l'Adriana per un primo ascolto, è questo cofanetto che suggerirei. A meno che non preferiate altri interpreti e vogliate assecondare i vostri gusti. Qui però trovate un prodotto ottimo realizzato da protagonisti di primo piano.
E un'opera, scusate se in questa recensione non ne abbiano ancora accennato, meravigliosa. Forse tra le 10 in assoluto più belle che io abbia mai ascoltato.

Voto: 8,5

Turandot: Croce e Delizia dell'Opera italiana (cap. 7)

2008-05-26T02:18:00.004+02:00

Turandot e Tosca a confronto

Dopo aver compreso l’importanza del personaggio nell’opera pucciniana, soprattutto di quello femminile, credo sia possibile approfondire a fondo il personaggio della gelida principessa mettendolo a confronto con un altro celebre soprano pucciniano: Floria Tosca.
Ciò che pare più evidente è l’atteggiamento che i due personaggi assumono nei riguardi dell’amore.
Turandot, gelida e distaccata, lo teme e cerca di evitare ogni coinvolgimento sentimentale, rendendo sacra la sua stessa situazione di gelida vendicatrice.
Tosca, rubando parole al principe Calaf, è ardente d’amore, gelosa del suo uomo e pronta a difenderlo nel momento del bisogno.
E proprio queste posizioni così distanti porteranno a finali dall’esito contrastante, in un intreccio di destini che in qualche maniera disattende le prime aspettative dello spettatore.
Calaf riuscirà a sconfiggere la bella principessa che alla fine si lascerà andare ai così temuti sentimenti amorosi; la dolce Tosca non sarà in grado di salvare il suo Mario Cavaradossi e troverà lei stessa la morte in un crescendo di tragicità e dolore.
È diversa anche la presenza delle due donne all’interno dell’opera.
Tosca è protagonista già dopo pochi minuti del primo atto e sono celebri i suoi duetti con il pittore Mario Cavaradossi. Impariamo subito ad amare questa gioiosa cantante lirica (il personaggio Tosca è anche lei soprano) e ci commoviamo scoprendo la gelosia che la lega all’uomo della sua vita. Immaginiamo i suoi occhi neri (celebrati in una splendida aria) e li scopriamo pieni di vita, intensi e innamorati. Tosca è presente in modo uniforme in tutti e tre gli atti dell’opera e in qualche modo è il personaggio che ci accompagna in maniera più costante fino alla conclusione.
Turandot nel corso della vicenda ha una crescita graduale. Compare solo a primo atto avanzato e addirittura non pronuncia una sola parola prima del secondo atto, calamitando l’attenzione col solo fascino della sua presenza. Con sfacciata sacralità vive la storia da sopra un piedistallo e rimane distaccata dagli altri personaggi. Nella Turandot è come se ci fossero due storie separate, quella della principessa (ma di questo parleremo in seguito) e quella di tutti gli altri personaggi che, più umani e più vicini al nostro modo di intendere e vivere la vita, muovono i loro passi, quasi fossero una sorta di scenografia mobile, ruotando intorno alla irreale figura femminile della protagonista.
Due personaggi così dissimili, Tosca e Turandot, ma allo stesso tempo così affascinanti. In modi diversi riescono a raggiungere lo spettatore coinvolgendolo più di quanto ci si attenderebbe da una finzione teatrale.
Se ci riferiamo a Floria Tosca può sembrare normale. È un personaggio meno fiabesco e più confrontabile al nostro mondo (la storia è ambientata a Roma nell’anno 1800). Lo spettatore può facilmente fare propri i sentimenti della bella cantate lirica.
Meno ovvio è che la stessa cosa avvenga con un personaggio anomalo come la gelida principessa della Turandot. Innanzitutto per l’ambientazione esotica e astrattamente reale. In secondo luogo per il carattere ostile e gelido della protagonista, il quale dovrebbe favorire l’allontanamento di ogni buon sentimento. Avviene invece il contrario. Ognuno si aspetta che il principe Calaf riesca a risolvere gli enigmi, non tanto per la posta in gioco, che è la vita, ma soprattutto per l’affascinante difficoltà di un amore improbabile, del quale però non si riesce a dubitare neanche dopo la morte della piccola Liù tra atroci sofferenze.
Tutti aspettano di veder capitolare la principessa. Tutti attendono quell’amore che con tanto accanimento vuole tenere lontano da sé. Alla fine dell’opera rimane un senso di stordimento e sembra strano poterlo affermare, ma la morte della piccola schiava sembra lontana e poco importante. Turandot e Calaf, con il loro ardente amore, sono il centro del mondo. Tutto il resto ruota intorno.
Sembra appunto un’altra delle anomalie alle quali il nostro Puccini ci ha abituato. Il più volte citato microcosmo di coppia si completa solamente negli ultimi minuti dopo aver oscillato più volte tra un particolarissimo terzetto di personaggi: Calaf, Liù e Turandot.
Tosca e Turandot ci appaiono quanto mai personaggi dissimili e protagonisti di due ere/mondi diversi, del tutto inavvicinabili. La maestria di Puccini è quella di trasportarci ogni volta in realtà differenti (ricordiamo ancora una volta Madama Butterfly e La fanciulla del West) e darci emozioni proprie delle più disparate dimensioni, sia nella Roma del diciannovesimo secolo che in un’immaginaria e fiabesca Pechino.
Ogni volta un viaggio nel tempo e nello spazio, sempre meravigliosamente vivo e, nei limiti della finzione scenica, reale.

Dante racconta l'Inferno

2008-05-16T23:32:00.003+02:00

Ancora un'opera su Dante e la Commedia!

Il nostro blog è ancora piccino, ma l'argomento che trattiamo è così di nicchia che ogni tanto le notizie ci vengono a trovare. Ed è così che questa settimana abbiamo ricevuto una gentilissima e-mail dal sig. Gaetano Renato che ci suggeriva di visitare un sito dedicato a un'opera tratta ancora una volta (dopo la news che avevamo postato qualche giorno fa) a Dante Alighieri.

Con piacere abbiamo accolto il suggerimento e abbiamo cercato altre informazioni. Iniziamo col compositore, il Maestro Andrea Arnaboldi, per proseguire con il regista Franco Palmieri e come già per i link precedenti vi rimandiamo al sito ufficiale per gli interpreti, l'orchestra e il coro.

Nota curiosa, l'opera è stata rappresentata nel 2006 in chiave classica e ancora nel 2007 in veste moderna, espendiente utilizzato molto spesso anche per le opere classiche più famose.

Di seguito, riportiamo una paronamica di diversi articoli apparsi sui giornali, ma per le informazioni complete vi rimandiamo come già suggerito dianzi, al sito ufficiale. Un commento lo possiam fare... le musiche che si possono ascoltare nella home page del sito sono a dir poco eccezionali. Ma lo scoprirete da voi...

L'espressione più alta della nostra poesia diviene opera lirica nel "Dante racconta l'Inferno" del compositore Andrea Arnaboldi [.]. Come già aveva fatto con "L'Aurora di Gerusalemme" del Tasso, Arnaboldi ha "tradotto" in prosa, canto e musica il capolavoro del sommo poeta italiano, che mai sino ad oggi era stato musicato, alternando scene di dialogo in lingua italiana fra i due protagonisti, Dante e Virgilio, a scopo introduttivo e, potremmo dire, in sostituzione del tradizionale "libretto d'opera", con i brani propriamente lirici dal testo della Divina Commedia. Ne è nata una rappresentazione di sicuro impatto emotivo, che condurrà il pubblico in uno straordinario e misterioso viaggio nell'averno, fra i personaggi che popolano le pagine dantesche. "Molte e geniali sono le arie che Andrea Arnaboldi ha scritto per il personaggio di Dante, le quali descrivono le molteplici sensazioni che percorrono l'animo del fiorentino", ha affermato il basso Andrea Mastroni, chiamato a interpretare il protagonista dell'opera (dalla prealpina del 2 Aprile 2006)

Un'opera che a livello musicale vuole coniugare la semplicità armonica con il grande respiro delle arie tipicamente italiane.
Buio, mestizia, atroce dramma, pianto e stelle. Queste son le parole che inquadrano i momenti topici del viaggio di Dante che l'opera analizza ed enfatizza. Si tratta del viaggio di un esule entro se stesso, quasi l'introspezione di una persona che scopre le pecche e gli abissi del proprio animo, vedendoli ipostatizzati in celebri personaggi storici. Una lettura, tutto sommato, non nuova del poema dantesco, mentre impressiona favorevolmente la freschezza della composizione, che si tiene lontano dall'atonalità, espediente sempre valido per esprimere il male e l'oscuro, ma alla lunga deleterio per gli spunti lirici e confinato nelle secche dell'effetto. La partitura, invece, vive di picchi altamente suggestivi ed armonie non forbite ma trascinanti. (dal corriere del teatro vol.1 gen,feb,mar2008)

Turandot: Croce e Delizia dell'Opera italiana (cap. 6)

2008-05-10T18:42:00.003+02:00

Microcosmo di coppia pucciniano

Nei capitoli precedenti di questo breve saggio sulla Turandot e Puccini abbiamo più volte accennato alle particolarità che distinguono il compositore toscano dai suoi altrettanto celebri colleghi.
Analizzando a fondo i lavori di Puccini possiamo a questo punto approfondire un altro concetto di non trascurabile importanza qualora si cerchi di analizzare con puntuale efficacia i personaggi che prendono vita dalle sue opere.
Di solito siamo abituati a ricercare una tradizionale struttura sia nella trama che nei personaggi di un’opera. Puccini rompe anche questi consueti schemi che la tradizione ci ha abituato a dare per scontati.
Naturalmente non è intenzione di questo saggio generalizzare la struttura delle opere in un semplice schema ripetuto nel tempo dai vari compositori, ma si cerca solo di accentuare in questa maniera quello che sotto molti aspetti può essere definito “microcosmo di coppia pucciniano”, e per l’appunto limitato ai lavori di Giacomo Puccini.
Molto spesso le opere sviluppano la propria trama ripartendo ruoli e emozioni su più personaggi, ricorrendo non di rado a un triangolo di protagonisti che nella maggior parte delle occasioni è rappresentato da tenore, soprano e baritono/basso o altro. Naturalmente questa è una semplice generalizzazione poiché sono molte le opere che non seguono questo schema.
Molti, tra i meno esperti, sono soliti credere che i ruoli del tenore e del soprano ricoprano sempre le parti principali, ma possiamo portare molti esempi a smentita di questo ragionamento (Don Giovanni su tutte).
Comunque è facile ritrovare uno schema tripartito di protagonisti dove almeno uno dei personaggi è l’elemento di disturbo. Per chiarire è possibile portare qualche illustre esempio: La Traviata (Violetta, soprano, Alfredo, tenore, Père Germont, baritono), L’Elisir d’Amore (Adina, soprano, Nemorino, tenore, Belcore, basso), Adriana Lecouvreur (Adriana, soprano, Maurizio, tenore, la principessa, soprano).
È per l’appunto questo lo schema al quale sfuggono gran parte delle opere pucciniane. Anche quando è possibile individuare un terzo elemento (il barone Scarpia nella Tosca), quello che banalmente abbiamo chiamato di disturbo, questi orbita solitamente intorno alla coppia centrale, sulla quale Puccini indirizza tutti i propri sforzi emotivi e drammatici.
Celebre è addirittura il caso de La Bohème nella quale tutto il mondo circostante sembra ruotare intorno a una doppia coppia di protagonisti, due fantastici microcosmi: Rodolfo e Mimì, Marcello e Musetta. Certo è che il ruolo della prima coppia è nettamente preponderante, ma è tramite questi personaggi che Puccini ci presenta l’indisciplinato mondo della scapigliatura.
Il discorso è portato all’esasperazione nella Madama Butterfly, opera nel quale questo microcosmo di coppia addirittura si restringe e a larghi tratti comprende solamente la protagonista femminile, la giovane sventurata cio-cio-san, tramite la quale conosciamo una realtà fatta di amarezze e discriminazioni.
Nelle opere degli altri compositori il mondo circostante e i protagonisti interagiscono e insieme danno vita a una realtà più complessa. In Puccini il tutto è racchiuso in pochi personaggi chiave, veicoli di emozioni e ideologie. Personaggi caratterizzati a tinte forti ai quali non è possibile rimanere indifferenti, nel bene come nel male.
È grazie a questo microcosmo di coppia che Puccini riesce a calamitare l’attenzione dello spettatore, a strapparlo alla propria realtà per gettarlo completamente in quella di un Mario Cavaradossi o di una Floria Tosca.
È grazie a tutto ciò che riusciamo a calarci nei panni del giovane e temerario principe Calaf, nel suo folle e illogico amore, così testardo e apparentemente senza logica. Dobbiamo astrarci dal mondo circostante e fare nostre le emozioni dei personaggi, così da accettarli e viverli allo stesso tempo con la forza che sprigionano.
Accettiamo così il sacrificio della piccola Liù e sembra normale che la principessa Turandot possa all’improvviso amare lo spregiudicato Calaf.
Tutti insieme attendiamo così che arrivi una nuova alba, per scoprire se è portatrice di morte o d’amore. E ci sembra di sentire ancora la voce squillante del principe che ne invoca l’arrivo:

… dilegua oh notte, tramontate stelle, tramontate stelle… e all’alba vincerò, vincerò, vincerò!

Il Maestro Muti e la Chicago Symphony Orchestra

2008-05-06T22:34:00.003+02:00

Dopo 32 anni un gradito ritorno

La notizia è recentissima
Il consiglio di amministratori fiduciari, sospinti dall'entusiasmo dei musicisti, ha nominato il Maestro Riccardo Muti, decimo della celebre orchestra sinfonica.
Il contratto quinquennale prevede che il Maestro diriga almeno 10 settimane all'anno (tra le rappresentazioni in abbonamento) e partirà dalla stagione 2010-2011.

Il Maestro aveva diretto l'orchestra all'inizio della sua carriere, ben 32 anni fa, e il ritorno sembra coinvolgerlo emotivamente oltre che a livello professionale.

Inoltre Muti collaborerà nella pianificazione dei programmi futuri e anticiperà la sua presenza già nel gennaio 2009, dirigento il Requiem di Verdi (15-16-17 gennaio).

Ecco un breve passo della dichiarazione del Maestro Muti: "A volte, quando meno te lo aspetti, tempi e situazioni si uniscono. Questo è quello che è accaduto a Chicago, una città notevole, e sono molto entusiasta all'idea di continuare a fare musica con i grandi musicisti della Chicago Symphony Orchestra, e ha lavorare con il forte Consiglio di amministratori fiduciari e con il caldo e aperto staff guidato da Deborah Card."

2008-05-03T22:44:00.005+02:00

Lorin Maazel: da direttore a compositore!

Presentiamo oggi un DVD che per noi ha un valore altissimo. Si tratta infatti di un opera recentissima, scritta dal direttore d'orchestra Lorin Maazel, che tutti gli appassionati hanno apprezzato in numerosissime direzioni. In questi giorni l'opera sta andando in scena alla Scala di Milano, ma qui vi presentiamo il video che ripropone gli stessi allestimenti. Naturalmente parliamo del capolavoro della letteratura mondiale 1984 di George Orwell. Il romanzo con tutta la sua tragicità ben si presta alla drammarizzazione teatrale e finalmente avremo l'occasione di rivivere il capolavoro orwelliano anche a teatro.

Titolo: 1984
Compositore: Lorin Maazel
Interpreti: Simon Keenlyside, Nancy Gustafson
Prezzo: € 30,90
Produzione: Universal Music, 2008
Numero dischi: 2

Potete cliccare qui per acquistare il DVD!!

Buon ascolto e... se siete nei pressi di Milano, non perdete l'occasione!

Turandot: Croce e Delizia dell'Opera italiana (cap. 5)

2008-04-23T23:27:00.001+02:00

La trama

Atto primo.
È il tramonto a Pechino, in un non meglio precisato “tempo delle favole”. Lungo gli spalti delle mura della città, che brilla in lontananza, una lugubre sequenza di pali con infissi i teschi dei pretendenti sconfitti dalla principessa Turandot. Gli spalti sono interrotti da un loggiato e da un grande gong di bronzo, il cui suono sancisce l’inizio della sfida tra la principessa e i suoi pretendenti. Tre rintocchi, tre enigmi.
Come è abitudine di Puccini siamo subito accompagnati nel vivo dell’azione, senza introduzioni strumentali (ouvertüre o sinfonie). Un mandarino recita le regole della prova che i pretendenti dovranno superare: la principessa Turandot andrà in sposa a chi saprà sciogliere i tre enigmi che lei stessa proporrà; il pretendente sconfitto sarà accompagnato al patibolo, dal boia.
Il principe di Persia è stato sconfitto dagli indovinelli della principessa e attende insieme al popolo il momento in cui salirà sul patibolo per pagare la sconfitta con la propria vita. In un’atmosfera tesa si attende il sorgere della luna.
La folla si dirige verso la reggia invocando a gran voce il carnefice. Nella calca viene travolto il vecchio Timur, re tartaro in esilio, aiutato dalla piccola schiava Liù. La ragazza chiede aiuto e nella folla i due ritrovano il principe Calaf, figlio di Timur, che entrambi credevano morto da tempo.
Si intuisce subito del forte affetto che la piccola Liù prova verso il principe, il quale un giorno nel proprio palazzo le aveva sorriso, conquistandola con quel semplice gesto e inducendola ad affiancare Timur nelle sofferenze della vecchiaia e dell’esilio.
La luna viene invocata dal popolo con evidenti accenni al suo ruolo di portatrice di morte: faccia pallida, testa mozza. La morte del principe di Persia è ormai vicina e il corteo avanza verso il patibolo dove presto giungerà anche il carnefice. Una schiera di ragazzi intona la melodia «là sui monti dell’est», composta su un tema originale cinese che Puccini affiancherà nel corso dell’opera alla presenza fascinosa della principessa.
L’atmosfera del tramonto si trasforma un poco alla volta e con il sorgere della luna tutto viene ammantato da una tenue luce argentea. La luna è sorta.
Turandot appare sul loggiato e un raggio di luna la illumina, evidenziandone il tartareo splendore. Intanto la folla ha smesso di incitare il carnefice e di evocare il sorgere della luna. Ora tutti chiedono la grazia per il principe di Persia, respinta con decisione dalla crudele Turandot.
La musica accompagna la scena con toni lamentosi e solenni allo stesso tempo e il coro che chiama «principessa, principessa», implorando la grazia, raggiunge toni di incredibile fascino ed emotività.
Proprio nel momento in cui la luna illumina Turandot, il principe Calaf la vede per la prima volta e ne rimane subitaneamente affascinato. Ormai anche lui è prigioniero del fascino della principessa e deciso più che mai a tentare la sorte.
Avanza verso il gong per lanciare la sua sfida, ma molti cercano di dissuaderlo. Dapprima tenta il padre, implorandolo di rimanere al suo fianco dopo tanti anni di sofferta lontananza.
Tenta anche la piccola Liù, cercando di convincerlo con il suo amore, rimasto segreto per tanti anni.
Ma sono proprio i cancellieri della crudele a cercare con più insistenza di fare cambiare proposito al giovane. Iniziano con la descrizione delle efferate violenze che si compiono a palazzo («Qui si strozza! Si sgozza! Si trivella…»), per poi passare a un poco convincente ridimensionamento della bella principessa («se la spogli nuda, è carne, carne cruda…») per concludere con le molteplici alternative che la vita riserva a ognuno di loro.
Nulla serve a dissuadere il giovane Calaf, nemmeno l’ultimo estremo tentativo della piccola schiava Liù («signore, ascolta») che anticipa la meravigliosa aria finale del primo atto («non piangere, Liù»), prima che la musica esploda nell’ultima sequenza in cui si intrecciano le emozioni di tutti i personaggi, in un finale esplosivo e avvolgente, nel quale il principe Calaf suona il gong e dichiara apertamente di voler sfidare la sorte, rischiando la propria vita con gli enigmi di Turandot.

Atto secondo.
Quadro primo. Dopo le emozioni travolgenti di tutto il primo atto, il quadro primo che apre il secondo è una sorta di intermezzo, inteso a presentare in modo accurato i tre ministri della principessa e a immergere con maggior dovizia l’ascoltatore nel fatato mondo pechinese, finora ancora astratto e distante.
Ping, Pang e Pong si alternano in un terzetto che li umanizza un poco alla volta. I tre ministri stanno ripassando i protocolli sia del rito funebre sia di quello nuziale, non sapendo quale dovranno celebrare al sorgere della nuova alba.
Mentre sono intenti nel loro lavoro si lasciano andare ai ricordi del tempo passato, quando ancora la crudeltà della gelida principessa era da venire. E mentre divagano si estraniano dalla realtà, immaginando la resa della bella carnefice e la preparazione del rito matrimoniale e della alcova per la prima notte d’amore. Ma il tempo stringe e i tre riprendono celermente i preparativi.
Quadro secondo. La scena torna nel vivo e il rito degli enigmi è ormai imminente. La corte imperiale è pronta sui gradini della reggia. Un coro solenne accompagna in scena la bella principessa affiancata dall’esile e stanco padre, l’imperatore Altoum.
Netta è la contrapposizione dei due personaggi tenorili, quando il vecchio imperatore, con voce debole e implorante, chiede al giovane di rinunciare alla inutile prova («basta sangue, giovine và») e Calaf risponde seccamente per tre volte consecutive, con forza e vigore giovanile, di aver ormai preso la decisione finale («figlio del cielo, io chiedo d’affrontar la prova»).
Il rito ha finalmente inizio. La cantilena iniziale ripete le regole della prova e tutti attendono che sia la principessa a prendere parola. La donna spiega le ragioni di quel macabro rituale («in questa reggia or son mill’anni e mille») poi inizia a proporre i tre enigmi.
Calaf risponde in modo corretto tutte e tre le volte (speranza, sangue, Turandot, soluzioni strettamente legate alla simbologia dell’opera) e finalmente per la prima volta dopo tanti anni la bella Turandot è sconfitta.
La principessa non accetta il risultato e si rivolge al padre rivendicando la propria sacralità e minacciando Calaf con tutto il suo odio («non sono tua!»). Le sue suppliche sono vane poiché il padre ribadisce che è il rito a essere sacro e in quanto tale deve essere rispettato («è sacro il giuramento»).
La possibilità di salvezza per la principessa arriva proprio dalla generosità di Calaf e dalle sue parole che ci accompagnano verso la chiusura del secondo atto, anticipando la celebre aria «nessun dorma» del terzo: «il mio nome non sai, dimmi il mio nome, dimmi il mio nome prima dell’alba e all’alba morirò!»

Atto terzo.
Quadro primo. Gli araldi diffondo per tutta la città di Pechino il volere della principessa. Nessun dorma in Pechino, e ognuno si adoperi a scoprire il nome dello straniero.
Il principe Calaf attende impaziente l’arrivo della nuova alba e il momento in cui Turandot sarà sua. È il momento della classica aria tenorile pucciniana con uno splendido «nessun dorma» di grande impatto e slancio.
In molti si avvicinano al principe cercando di convincerlo a pronunciare il suo nome, ma il rifiuto di Calaf è sempre secco e deciso. Irrompono quindi in scena un gruppo di uomini che trascinano Timur e Liù, credendo di poter strappare loro il nome dello straniero.
Ancora una volta è la piccola Liù a prendere il ruolo di protagonista. È fermamente decisa a difendere il suo signore e affronta con decisione la principessa, sopporta le torture e infine si suicida come estremo sacrificio d’amore.
Con la morte della piccola Liù termina il lavoro del maestro Puccini. L’ultima parte dell’opera è completata come già accennato da Franco Alfano sulla base di appunti lasciati dal compositore.
La folla si allontana e per la prima volta Calaf e Turandot rimangono da soli. Calaf è ancora convinto di poter conquistare la bella principessa e con impeto si getta verso di lei, baciandola.
Inizia così il crollo finale della crudele principessa che scopre per la prima volta emozioni tanto forti e incontrollabili. Calaf comprende di aver finalmente sgelato il freddo cuore della rivale e poco prima dell’alba sussurra il suo nome, consegnando il proprio destino nelle mani di Turandot.
Quadro secondo. È la scena conclusiva, in realtà molto breve. L’alba è ormai giunta e la principessa conosce il nome dello straniero. Accompagnata dal padre e dai dignitari di corte Turandot si presenta al popolo dichiarando di conoscere il nome del principe ignoto. Tutti attendono la rivelazione e tra lo stupore del popolo la principessa dichiara a tutti il nome bramato: Amore.
Il dolore e la tragedia sono finalmente alle spalle e l’opera si chiude con un coro di giubilo.

Milano: da oggi in scena La Divina Commedia

2008-04-19T17:37:00.008+02:00

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Dante Alighieri pronto al nuovo debutto

Dopo l'enorme successo romano, che ha portato a treatro oltre 200.000 spettatori, l'opera musicale La Divina Commedia, musicata da Marco Frisina su libretto di Gianmario Pagano, questa sera debutterà a Milano.

Oltre alla musica solenne l'opera si distingue anche per l'incredibile scenografia alla qualle hanno partecipato anche esponenti illustri del cinema, tra i quali Carlo Rambaldi (il padre di ET) e Sergio Stivaletti.

Una menzione particolare per il protagonista del musical, il superbo Vittorio Matteucci, già protagonista in molte trasmissioni televisive, ma soprattutto magistrale interprete nel Notre Dame de Paris di Riccardo Cocciante, nel ruolo del malefico Frollo, e sempre come protagonista nel musical Dracula musicato dai PFM.

Per maggiori informazioni potete consultare il sito ufficiale de La Divina Commedia Opera.

Turandot: Croce e Delizia dell'Opera italiana (Cap. 4)

2008-04-18T14:01:00.003+02:00

Genesi della Turandot

Parlare del mondo magico della Turandot significa allo stesso tempo attraversare il globo alla ricerca di atmosfere che si intrecciano le une alle altre in una simbiosi perfetta tra le culture più disparate che hanno influenzato l’autore al momento della composizione.
Ascoltando per la prima volta l’ultima opera di Puccini si rimane subito colpiti da quel particolare intreccio di esotismo e drammaticità reso in modo così particolare da musica e personaggi (il compositore di Lucca era poi molto attento alle sonorità e in molte opere le sue studiate dissonanze da sole creano un grande impatto emotivo).
La solennità dell’atmosfera è subito evidente dalle prime note e dall’intreccio di melodie con il quale l’autore apre il primo atto, ma personaggi importanti e allo stesso tempo dai nomi un po’ bizzarri lasciano con parecchi dubbi circa le intenzioni del compositore.
Credo che chiunque si affacci per la prima volta nel magico mondo della principessa Turandot possa in qualche maniera rimanere colpito dai nomi poco drammatici di alcuni dei personaggi che le orbitano intorno. Ping, Pang e Pong, i cancellieri della principessa, sono nomi che strappano un sorriso all’ascoltatore italiano, creando un’idea comica piuttosto che di solenne drammaticità. L’effetto di sbalordimento però passa presto, non appena la natura dei tre viene chiarita.
Approfondendo la conoscenza dell’opera e scavando fino alle origini dei personaggi ci rendiamo conto che tutta la struttura, sia della trama che dei personaggi, è la normale conseguenza di un lavoro intenso e mirato a creare l’effetto drammatico laddove in origine la tragicità era quasi inesistente.
Dobbiamo fare un passo indietro e tornare alle origini di questa storia affascinante.
La Turandot nasce per la prima volta sotto forma di fiaba teatrale scritta da Carlo Gozzi (nell'immagine). Appare subito evidente quanto e di quale spessore sia stato il lavoro del compositore allorché si apprestava a trasformare in dramma quella che inizialmente era una fiaba. Personaggi in bilico tra l’esotismo drammatico e la fiaba nostrana nascono appunto dall’esigenza di trasformare maschere tipiche della teatralità comica italiana (quelle che tutti noi conosciamo fin da bambini) in strumenti dell’opera tragica.
Anche il personaggio principale subisce un cambiamento non indifferente e assume quei toni cupi e solenni che mai avremmo potuto trovare nell’opera di Carlo Gozzi.
A proporre la realizzazione della fiaba al compositore fu il veneziano Renato Simoni, già giornalista e fortunato scrittore teatrale. L’idea che voleva sviluppare Simoni mirava alla realizzazione di un opera capace di presentare la «inverosimile umanità del fiabesco». Puccini ne fu immediatamente entusiasta e calcolò, la storia gli ha dato ragione, di poter sviluppare a quel modo una forte drammaticità incentrata sul personaggio chiave della principessa.
Alcuni anni prima già un altro compositore, Ferruccio Busoni, aveva musicato con le stesse intenzioni il personaggio della gelida Turandot, ma il risultato non può essere nemmeno lontanamente paragonato a quello ottenuto da Giacomo Puccini. Inoltre, lo stesso Maestro con molta probabilità non conosceva l’opera di Busoni e non poteva né esserne stato influenzato, né averne in alcun modo elaborato i concetti e gli espedienti teatrali.
Un lavoro intenso, quindi, che inizia ancora prima della partitura, laddove si deve lavorare su un testo preesistente che poco ha di drammatico, almeno nel senso inteso da Puccini e dai suoi stretti collaboratori.
Al momento di realizzare il libretto dell’opera si crea di nuovo un terzetto come ai tempi in cui assieme a Puccini collaboravano Illica e Giacosa (con meravigliosi risultati quali Tosca, Bohème e Madama Butterfly). Questa volta, insieme al compositore toscano, ci sono Renato Simoni e Giuseppe Adami, il quale aveva già collaborato varie volte col Maestro (La Rondine, Il Tabarro)
Lo schema collaudato delle precedenti collaborazioni faceva ben sperare.
Puccini iniziò a lavorare febbrilmente al suo capolavoro e già dopo poco tempo riteneva indegno tutto ciò che aveva prodotto precedentemente.
Oramai era del tutto assorbito dal mondo orientale della sua ultima composizione e nulla riusciva a distoglierlo dal proprio lavoro.
Quando iniziò a comporre la Turandot Puccini non era certo più giovane e una malattia minava le sue forze. I collaboratori e l’editore stesso cercarono di dissuaderlo dal lavorare troppo, cercando di suggerire un riposo ristoratore.
Ma ormai la vita e le energie del compositore erano strettamente legate alle vicende dei suoi ultimi personaggi: il principe Calaf, Turandot la gelida e la piccola indimenticabile Liù, il cui destino era così sentito da Puccini.
E il Maestro si spense appunto subito dopo aver descritto la morte della servitrice, la fedele e innamorata piccola Liù. Degli ultimi dieci/quindici minuti dell’opera rimanevano le bozze incomplete.
La prima rappresentazione della Turandot avvenne al Teatro alla Scala di Milano, il 26 aprile 1926, due anni dopo la morte di Giacomo Puccini, grazie anche alla collaborazione del maestro Franco Alfano il quale lavorò sugli appunti di Puccini per portare a compimento l’opera ultima del grande compositore.
Ma non tutti apprezzarono e il direttore Toscanini interruppe l’esecuzione dopo la scena della morte di Liù. In quel momento moriva anche il Maestro e per lui l’opera terminava.

Turandot: Croce e Delizia dell'Opera italiana (Cap. 3)

2008-04-14T22:17:00.004+02:00

Puccini e le sue opere

Giacomo Puccini è indubbiamente uno dei più grandi compositori d’opera mai esistiti e il suo nome è sinonimo di talento compositivo in tutto il mondo. Se andiamo a contare le sue opere ci rendiamo però conto che la sua produzione è inversamente proporzionale al suo grande successo e talento.
Molti potrebbero ribadire che nomi quali La Bohème, Tosca, Turandot, Madama Butterfly possono essere più che sufficienti a soddisfare ogni melomane, ma il discorso che attraverso questo dato fondamentale si vuole affrontare è diverso.
Ogni opera è affrontata da Puccini con un’attenzione e una dedizione che nel mondo della composizione ha ben pochi riscontri (se si fa fede al solo numero di composizioni, non certo relativo alla genialità). Altri compositori, non meno noti al grande pubblico, hanno prodotto una quantità incredibile di partiture, approfittando di vantaggiosi contratti e lavorando sulla scia di una fama senza confronti. Leggendo lettere e dichiarazioni di compositori o loro contemporanei possiamo apprendere di come alcune opere, che potremmo pensare essere il frutto di mesi di duro lavoro, con il compositore alla ricerca dell’ispirazione e della migliore forma stilistica, sono invece il risultato del frenetico lavoro di poche settimane, a volte pochi giorni.
Per fare un esempio di un’opera di cui abbiamo già accennato possiamo parlare di nuovo de Il barbiere di Siviglia di Rossini. Sembra che il compositore abbia impiegato solamente otto giorni per realizzare centinaia di pagine di partitura. Forse di tempo ce n’è voluto un po’ di più, ma non molto, presumibilmente.
Sarebbe ingenuo pensare che il lavoro di Rossini fosse del tutto originale e scritto di getto così in pochi giorni. In effetti il discorso è molto più complesso, e avendo la possibilità di studiare a fondo la produzione rossiniana ci si rende conto che nella sua celebre opera ci sono non pochi richiami ad arie e brani di altri suoi lavori precedenti. Anche la celebre ouvertüre iniziale sembra appartenesse a un suo lavoro di alcuni anni prima. Una specie di collage, abilmente trasformato in una delle opere più famose mai composte.
Tutta questa frenesia nel comporre non la ritroviamo certo in Giacomo Puccini. Anzi, notiamo una certa riflessione, una cura a volte esasperata sia nella ricerca del tema che della forma, con l’autore molto spesso impegnato a tornare più volte sulle partiture, alla ricerca di una perfezione che sembrava eternamente fuggevole. Naturalmente anche Puccini ha spesso attinto a temi melodici preesistenti, soprattutto quando si trattava di dover caratterizzare in modo appropriato una delle sue opere dal gusto esotico (Madama Butterfly, Turandot), però dietro c’è tutta una preparazione atta a integrare nella trama melodica della sua opera questi estratti esotici. Nella Madama Butterfly le note dell’inno nazionale americano non danno l’impressione di essere messe lì a riempire un vuoto, ma caratterizzano l’atmosfera e il personaggio in maniera indiscutibilmente efficace.
Ma per trovare altri compositori dalle sterminate produzioni possiamo menzionare per l’ennesima volta Verdi, Mozart, Donizetti. Artisti di grande livello, non certo frettolosi nel comporre, tanto meno trascurati. Compositori che hanno prodotto con maggiore intensità senza trascurare per questo la forma e un’attenta ricerca tematica.
Tutto questo ragionamento serve solo a farci comprendere in modo chiaro quale fosse la partecipazione emotiva di Puccini nella realizzazione delle sue opere e nella caratterizzazione dei personaggi. Un’attenzione fuori dal normale che ci permettere di distinguere ancora una volta Puccini da tutti gli altri.
Così unico, così particolare.
Nascono in questo modo personaggi di grande fascino e spessore come Rodolfo e Mimì, Musetta e Marcello, Calaf e Liù, Mario Cavaradossi e Floria Tosca, Pinkerton e Cio-cio-san.
E i nomi delle sue opere sono ormai passati alla storia della musica: Le Villi, Edgar, Manon Lescaut, La Bohème, Tosca, Madama Butterfly, La Fanciulla del West, La Rondine, Il Tabarro, Suor Angelica, Gianni Schicchi (queste ultime tre ad atto unico, unite sotto il nome de Il Trittico), Turandot.
Dodici capolavori è quello che Puccini ha lasciato a tutti gli amanti dell’opera; dodici stelle tra le quali splende luminosa la meraviglia della sua ultima fatica: Turandot, naturalmente.

Verdi messo a... Nudo!

2008-04-12T16:16:00.006+02:00

Ogni tanto capita di trovare notizie bizzarre, ma nella Lirica, se vogliamo, sono un tantino meno che in altre manifestazioni artistiche.
Ogni tanto però anche l'opera fa parlare di sé e finisce sulle pagine dei giornali, non necessariamente come tributo per la sua arte.

Questa volta la notizia viene dalla Germania, dove una nuova rappresentazione de Il Ballo in Machera di Giuseppe Verdi ha suscitato un po' di scalpore. Perché? Be', il coreografo, il 69enne austriaco Johann Kresnik ha pensato di mettere un scena una versione piuttosto critica verso la società amaricana, trasportando la storia tra le rovine delle torri gemelle, ma la trovata è addirittura un'altra. Nella rappresentazione sono presenti 35 figuranti completamente nudi, e tutti rigorosamente over 50. Abbiamo trovato anche qualche scena "rubata" qua e là e a noi sembra che non solo i figuranti siano nudi... !

Le autorità locali hanno provato a bloccare tutto, ma sembra senza successo. Dopotutto, non c'è più un posto libero. A noi, personalmente, non piacciono molto queste rivisitazioni troppo distanti dall'originale, ma sembra che siano in molti a pensarla diversamente!

Buon Ascolto

Kurt Moll compie 70 anni

2008-04-12T13:01:00.005+02:00

Il celebre basso tedesco ha compiuto ieri, 11 aprile, 70 anni.
Dallo studio della chitarra e il cello, passa al canto, grazie alla sua voce profonda e forte.

Inizia la carriera operistica al Cologne Opera, del quale diviene membro sin da giovanissimo. I primi ruoli furono quelli nel Die Zauberflöte e Der Fliegende Holländer.
La svolta internazionale c'è nel 1969 quando approda all'Hamburg State Opera, che lo vede protagonista in molte delle città più importanti d'Europa.
Nel 1974 c'è il debutto in USA, al Sanfrancisco Opera, con l'Opera Parsifal.
Attualmente si divide tra i maggiori teatri del mondo.

Molto ricca la sua discografia. In moltissime occasioni è stato diretto dai più grandi direttori d'orchestra degli ultimi decenni: Herbert von Karajan, Georg Solti, Leonard Bernstein, James Levine, Wolfgang Sawallisch e tanti altri.

Di seguito, per omaggiare il suo settantesimo compleanno, vi riportiamo uno dei tanti video che si possono facilmente trovare in rete, tratto dal III atto del Parsifal.

Turandot: Croce e Delizia dell'Opera italiana (cap. 2)

2008-04-09T21:43:00.006+02:00

Puccini tra Verdi e Wagner

Non è possibile parlare dell’opera di Giacomo Puccini se prima non si fissano alcuni punti chiave che passano attraverso le fatiche compositive e ideologiche di altri due grandi maestri immortali: Giuseppe Verdi e Richard Wagner.
Come più volte accennato, molti sono stati i cambiamenti che dai primi anni del Seicento hanno caratterizzato la storia dell’opera fino ai nostri giorni.
Per fare un esempio concreto di come l’arte di comporre sia nel tempo mutato possiamo prendere spunto da altri due grandi compositori che davvero non hanno bisogno di presentazioni: Gioacchino Rossini e Giovanni Paisiello.
L’occasione utile per mettere in evidenza il cambiamento radicale è quella del clamoroso insuccesso della prima rappresentazione de Il barbiere di Siviglia di Rossini. Il compositore non nascose di essersi ispirato alla omonima opera del suo predecessore Paisiello ed è proprio partendo da una base comune che riusciamo a mettere in evidenza le differenze stilistiche e tecniche.
La prima differenza può sembrare meno ovvia, ma alla luce di quelli che saranno i cambiamenti che dovranno ancora venire non può certamente essere trascurata.
Siamo all’inizio dell’opera, nel momento della serenata. Senza scendere troppo nei dettagli, appare evidente di come la situazione sentimentale sia maggiormente sviluppata nell’opera rossiniana, più approfondita e di più ampio respiro, con un numero quasi doppio di versi. L’opera diventa sempre più veicolo di emozioni, non solo mero intrattenimento. L’effetto musicale è più legato alla vicenda e comincia quel processo di unione musica-dramma che verrà portato a compimento da Wagner.
Già dalle prime battute Rossini si differenzia da Paisiello, non è più lo stesso modo di fare opera. Appare evidente a tutti.
Il cambiamento più radicale, quello che probabilmente fu una delle cause dell’insuccesso iniziale, si ha con la rottura di una tradizione della tecnica teatrale. Solitamente il soprano compare in scena in una cavatina, brano allo stesso tempo di presentazione e di omaggio a uno dei ruoli principali. Rossini rompe questo schema e la protagonista femminile irrompe sulla scena con un recitativo, sicuramente meno a effetto, seppur più reale. Il pubblico non gradisce e lo manifesta apertamente. Ma oramai lo schema è saltato e un nuovo modo di comporre si affaccia prepotentemente all’orizzonte.
Molte cose dovranno ancora mutare (recitativi sempre meno ampi, cavatine meno numerose), ma alcuni cambiamenti sono già avvertibili e inarrestabili.
La rottura maggiore avviene appunto tra Verdi e Wagner, l’uno a cavallo tra due periodi, in continuo sviluppo, l’altro già completamente proiettato nel futuro, quasi del tutto staccato dalla tradizione.
Nelle prime opere di Verdi il numero delle arie chiuse è ancora preponderante. La narrazione procede a sbalzi, in una successione slegata, ma coerente, di brani. È già capace di suscitare emozioni forti, ma ancora lontano da quella rivoluzione musicale e teatrale che lo caratterizzerà nelle opere della maturità.
Wagner sviluppa da subito una personalissima struttura operistica. A differenza di molti suoi colleghi si interessa molto alla teoria e alla tecnica che sta dietro alla rappresentazione teatrale e scrive anche alcuni saggi per meglio approfondire le sue idee.
Partendo dalle teorie filosofiche sull’arte sviluppate da Hegel, elabora un complesso sistema di connubio tra testo e musica. Molto spesso il libretto e la partitura procedevano su binari paralleli, quasi narrando sensazioni diverse. Con Wagner la musica è al servizio del dramma e diventa parte di esso. È impossibile scindere le due parti e il dramma si compie quindi nella simbiosi testo-musica, rendendo impossibile un’analisi che precluda una delle due parti. Apparentemente la musica va assumendo un ruolo meno evidente, ma più partecipe.
La scenografia, e la rappresentazione coreografica, assume un ruolo determinante e tutto è curato nei minimi particolari. Il numero dei musicisti aumenta notevolmente e per la prima volta l’orchestra scompare nella fossa, liberando lo spazio visivo dello spettatore, finalmente del tutto immerso nel dramma.
Puccini sviluppa in modo molto personale le innovazioni wagneriane. Naturalmente è molto legato alla tradizione italiana, ma risente di molte influenze che in qualche modo lo attirano senza mai convincerlo del tutto. Risente del verismo, ma in qualche maniera le sue opere si distaccano dal movimento portato avanti da Mascagni, e si dirigono verso sentieri diversi, più indirizzati sul microcosmo della coppia, del quale parleremo, che alla realtà circostante.
È vicino anche all’estetismo dannunziano (e la loro collaborazione fu vicina a realizzarsi), ma l’immobilità estetica dello scrittore mal si combina con la dinamica sentimentale che sviluppa Puccini.
Un compositore fuori dagli schemi e dalle tradizioni, quindi, così particolare da risultare alla fine unico e inimitabile: Puccini, appunto.

Alessandro Baricco — Il genio in fuga (Einaudi)

2008-04-07T21:51:00.008+02:00

Inauguriamo anche oggi una nuova sezione del blog, quella dedicata alle schede dei libri che parlano dell'Opera. E per iniziare questa sezione, un autore che ci è molto caro: Alessandro Baricco. Nei prossimi giorni aggiungeremo a mano a mano altre sezioni, distinguendo sempre tra semplici schede e recensioni (di libri, cofanetti e DVD), per facilitare le vostre ricerche... e la passione per la Lirica!

Titolo: Il Genio in fuga. Due saggi sul teatro musicale di Gioacchino Rossini
Autore: Alessandro Baricco
Prezzo: € 14,50
Dati: 2006, VIII-158 p., brossura
Editore: Einaudi (collana PBE nuova edizione)

Sintesi: "Il genio in fuga" è un'interpretazione del teatro musicale di Rossini condotta alla luce del sapere filosofico, più con la libertà dell'ermeneutica che secondo le regole dell'indagine musicologica tradizionale. Queste pagine rinviano a quell'irripetibile momento dell'illuminismo in cui l'uomo sperimentò la possibilità di una propria realizzazione nella storia, senza più alcun riferimento con la trascendenza. Baricco dimostra però che in Rossini la soggettività "orizzontale" dell'uomo settecentesco trova una propria conciliazione con l'oggettività tramite una "fuga in avanti" in cui uomo e mondo convergono in una seconda natura, permeata dalla felicità che si raggiunge attraverso un certo abbandono ai territori della follia.

Clicca qui per acquistare il libro!

Piccola Lirica: in scena con 2 opere di Puccini

2008-04-06T12:57:00.006+02:00

Roma è una città ricca di iniziative e oggi vogliamo proporvi un modo un po' particolare di fare Opera, semplice, ma allo stesso tempo intima e affascinante.

Piccola Lirica è un'iniziativa nata da un'idea di Rossana Siclari e intende mettere in scene alcune opere tra le più famose e importanti, riadattandole nella durata (dureranno più o meno 75 minuti) e allestite in teatri molto piccoli (circa 150 posti). Appunto la rassegna sarà ospitata al Teatro Flaiano di Roma, un luogo adatto a creare le atmosfere della grande lirica e in particolar modo delle prime due rappresentazioni che andranno in scena: Tosca e Madama Butterfly.

Gli spettacoli inizieranno a ottobre 2008 e si protrarranno fino al maggio successivo, ma per il calendario completo e tutte le informazioni credo sia opportuno rimandarvi al sito stesso da cui abbiamo ricavato queste informazioni.

Noi contiamo di non mancare, e magari tornermo a parlane. Buon Ascolto.

L'elisir d'amore (J. Levine, Deutsche Grammophon, 1990)

2008-04-05T19:37:00.007+02:00

Compositore: Gaetano Donizetti
Libretto: Felice Romani
Fonte: Le Philtre, di E. Scribè
Direttore: James Levine
Interpreti: Kathleen Battle (Adina), Luciano Pavarotti (Nemorino), Leo Nucci (Belcore), Enzo Dara (Dulcamara), Dawn Upshaw (Giannetta).

Recensire questo cofanetto può essere tanto semplice quanto rischioso, tanto è perfetto e i nomi che insieme hanno contribuito alla realizzazione sono altisonati. Dopotutto è anche la prima volta che scrivo qualcosa sul grande Maestro Pavarotti dal giorno della sua morte. Ne ho approfittao quest'oggi, nell'atto di inserire questa prima scheda su Teatro Lirico Turandot, sicuro che un tale prodotto discografico debba necessitare di ben poche presentazioni, quindi permettendomi di suggerirvi un prodotto che quasi si presenta da solo.
Mentre mi appresto a scrivere queste parole ho messo su il cd e in questo momento la voce dolce e perfetta di Kathleen "Adina" Battle sta guidando il ritmo della mia scrittura. Spessissimo i cofanetti della Deutsche Grammophone sono di qualità eccelsa e questo prodotto non fa eccezione.

Molto spesso quando scelgo un cofanetto per un nuovo acquisto mi faccio guidare da alcuni fattori proritari. James Levine è uno di quei direttori che possono cambiare la mia scelta, un direttore d'orchestra che riesce a trarre il massimo da ogni opera che esegue, trovando sempre il giusto equilibrio tra orchestra e interpreti vocali. Poi se questi ultimi sono tra i più grandi artisti del palcoscenico mondiale allora forse tutto è ancora più semplice e l'arte di Levine può davvero esprimersi al meglio. La forza di quest'opera è la presenza di arie romantiche alternate da momenti di allegria e vivacità e non sempre è semplice trovare l'equilibrio perfetto. In questa edizione del 1990 sembra tutto riuscito bene, impreziosito il tutto dalla partecipazione eccelsa di altri due nomi illustri dell'opera: Enzo Dara e Leo Nucci.

Di solito sono maggiormente incline all'ascolto di opere tragiche, ma questa composizione di Donizetti è per me da classificare forse tra le 5/6 opere più belle mai scritte. Se poi è possibile ascoltarla in un'edizione così perfetta allora diventa davvero una delizia inarrivabile. E un occasione ancora per ricordare la voce limpida del grande Maestro Luciano Pavarotti.

Un cofanetto che non può mancare nella collezione di nessun melomane. Sicuro. Voto: 9

Turandot — Croce e Delizia dell'Opera italiana (cap. 1)

2008-04-05T00:12:00.001+02:00

Inauguriamo il nostro nuovo Blog dedicato al mondo della Lirica con un saggio sulla Turandot di Giacomo Puccini. Il saggio è articolato in 12 capitoli che toccheranno vari aspetti della creatività pucciniana e in particolar modo della sua ultima, inimitabile, composizione. Buona lettura e... lasciate i vostri commenti! Andrea Franco

Prima di poter affrontare l’analisi di un’opera importante e meravigliosa quale è la Turandot di Giacomo Puccini, è doveroso dare alcune informazioni preliminari riguardo la storia stessa dell’Opera, fenomeno di costume e cultura che ha attraversato brillantemente oltre quattro secoli di storia.
Ogni grande appassionato è solito pensare all’Opera così come io stesso abitualmente la scrivo, con la “O” maiuscola (ma da qui in avanti userò la forma “opera” per non fare confusione), immutabile e sacra, adorabile e intramontabile. Ma come ogni altro fenomeno di costume che attraversa varie epoche anche l’opera così come la conosciamo e l’apprezziamo non è sempre stata uguale a sé stessa. È cambiata nella forma come nei contenuti, nella complessità come nella resa teatrale.

Le prime opere documentate risalgono alla fine del sedicesimo secolo, ma se vogliamo fissare una data concreta e in modo altrettanto tangibile fornire dei nomi, la composizione alla quale dobbiamo fare riferimento è la Dafne di Jacopo Peri e Jacopo Corsi, la cui prima rappresentazione risale presumibilmente all’anno 1594. Pietro Bardi, un loro contemporaneo, descriveva con queste parole la semplicità strumentale della rappresentazione: «messa in musica dal Peri con poco numero di suoni, con brevità di scene e in piccola stanza rappresentata.»
Non v’è dubbio che di acqua sotto i ponti ne sia passata parecchia. Basti pensare alle suggestive scenografie della stessa Turandot; ma volendo proporre esempi diversi possiamo citare anche altre illustri opere quali Adriana Lecouvreur, L’elisir d’amore, Norma, Trovatore e tante altre ancora. Scenografie di grande impatto, ma non solo: anche grande ricercatezza strumentale e coreografica. Opera, quindi, con la maiuscola.
Nella lunga e ricca storia di quest’arte sono moltissimi i compositori che hanno ceduto al fascino della rappresentazione teatrale e che hanno dedicato risorse del proprio estro alla composizione lirica. Geni tanto diversi l’uno dall’altro che solo ad accostarne i nomi possiamo meglio comprendere la complessità e la varietà del fenomeno: Puccini, Verdi, Mozart, Beethoven, Strauss, Donizetti, Ciaikovskij, Wagner… e la lista potrebbe essere davvero interminabile.
L’opera nasce in Italia e per molti anni il nostro stesso idioma è stato la lingua principe di questa forma d’arte musicale. Ogni autore degno di questo nome musicava prima o poi un libretto in lingua italiana (lo stesso Mozart, dopo le prime due esperienze operistiche all’età di undici anni, Die Schuldigkeit des ersten Gebotes e Apollo et Hyacinthus, si cimenta con un testo di Goldoni, La Finta Semplice, su libretto di Coltellini, per citarne una tra le meno note).
Nonostante questa importanza storica, un poco alla volta l’egemonia dell’italiano comincia a declinare e al giorno d’oggi, seppur la tradizione più importante parli ancora la nostra lingua, i libretti operistici vengono realizzati nelle più svariate lingue.
Una tradizione forte la nostra che, nonostante viva ultimamente un periodo di apparente difficoltà (apparente, a voler essere gentili), abbraccia i più grandi compositori mai esistiti. È difficile trovare una tradizione operistica che possa vantare nomi eccellenti quali Puccini, Verdi, Bellini, Rossini, Donizetti, Mascagni, Leoncavallo.

Wagner con le sue innovazioni ha saputo dare quella spinta verso una maggiore resa teatrale e ha saputo creare il giusto equilibrio tra musica e testo, tra melodia e dramma, ma il contributo maggiore alla storia dell’opera è ancora appannaggio dell’Italia.
E non possiamo parlare di opera se non menzioniamo anche tutti quei meravigliosi interpreti che nel corso dei secoli hanno saputo tradurre magnificamente le emozioni dei compositori, fino a toccarci nel profondo e risvegliare sensazioni che in taluni casi addirittura ignoravamo. Direttori d’orchestra, musicisti, cantanti e quanti altri collaborano alla realizzazione maestosa di quello che ogni volta può essere ritenuto un evento vero e proprio. Vedere una rappresentazione è come assistere ogni volta a una “prima”, con diverse sfumature e un diverso modo di rendere unica l’interpretazione. E un modo differente di porsi all’ascolto, un po’ spettatore e un po’ partecipe di incalcolabili emozioni tradotte in musica, in opera.
Sono molti gli interpreti passati alla storia per le loro doti eccelse o per il modo tutto personale di essere personaggio. In questo breve saggio non sarà possibile un’analisi approfondita dei vari timbri e dei vari stili dei grandi protagonisti dell’Opera mondiale, ma è certo che alcuni di loro con le proprie superlative capacità (e ci limitiamo solo agli ultimi decenni) hanno saputo in qualche modo rendere ancora più universale il linguaggio dell’Opera: i tre tenori (Pavarotti, Carreras, Domingo), Maria Callas, Mirella Freni, Leo Nucci, Ruggero Raimondi, Renato Bruson; fino a interpreti più recenti quali Roberto Alagna (da molti considerato il “quarto tenore”), Angela Gheorghiu (moglie di quest’ultimo e soprano di livello eccezionale), Anna Netrebko, Rolando Villazòn, Frank Lopardo, Gino Quilico e potremmo davvero continuare all’infinito (recentemente ho apprezzato il giovane Matthew Polenzani, spero si continui a parlare di lui), soprattutto andando indietro nel tempo.
Anche loro hanno fatto la storia dell’Opera e hanno contribuito a diffonderla e allo stesso tempo a portarla fino ai giorni nostri, in un processo ininterrotto di continuità e mutevolezza.